Benzaiten | videogame & arte

Arte visual para trilha sonora de jogos eletrônicos

2012-01-25T19:30:00.006-02:00

Quem aprecia os games com um pouco mais de profundidade, facilmente – ou com um pouco de curiosidade e pesquisa – reconhece que a produção musical para esse gênero é vasta e diversificada, indo dos sons mais rudimentares e mecânicos até composições eruditas e orquestrais. Nesta postagem quero mostrar o lado visual desse material, selecionando algumas artes gráficas usadas em CDs, encartes, embalagens etc. É apenas uma pequena pincelada aleatória de arte (pintura, ilustração, fotos etc.) e design que gostei bastante, obviamente não significando nenhum tipo de lista do tipo "melhores". O título acima das imagens é o nome do álbum em questão.

Castlevania - Lament of Innocence – Original Soundtrack

Halo - Combat Evolved – Anniversary - Original Soundtrack

Last Ranker – Limited Soundtrack - Piano Trio Arrange

Heavy Rain – Original Videogame Score

Neotokyo

Beautiful Katamari Damacy – Original Soundtrack - "Katamari Suteki Damacy"

Final Fantasy XI – Original Soundtrack - Premium Box

Tales of Knighthood - Sonic and the Black Knight – Original Soundtrax

Suteki da ne Featured in Final Fantasy X

Minecraft – Volume Alpha

Aquaria – Original Soundtrack

Echocrome – Original Sound Track

Okami – Original Soundtrack

Chanting the Moon - Tsukikanade – Ar Tonelico Hymmnos Concert Side Crimson

Michigan – Original Sound Track

Análise da trilha sonora de Super Mario World

2011-12-03T01:00:00.001-02:00

Sugerido pelo colega Peterson Mayrinck, postamos o interessante vídeo abaixo, produzido por alunos da UFPE (sob a cadeira "Música e Trilha Sonora", ministrada por Felipe Trotta), que faz uma análise da trilha sonora do Super Mario World (Super Nintendo, 1990).

Wonderputt: o jogo casual dos sonhos

2011-10-13T23:40:00.000-03:00

Criado por Reece Milidge e áudio por Dan Milidge para a Damp Gnat, empresa de animação e artes interativas, o Wonderputt é exemplo de arte, design, criatividade e animação da melhor qualidade em um belíssimo jogo web casual.

A jogabilidade de Wonderputt mistura um pouco de golfe, bilhar e marble maze. Sofisticação à parte, me lembra uma brincadeira de infância onde a gurizada da rua criava um circuito na areia para uma corrida de tampinhas de garrafa (ou bolas de gude para um nível mais difícil), com direito a um toque por jogador. (As partidas eram executadas no monte de areia do vizinho com a casa em reforma mais próxima!) Valiam rampas, túneis, buracos, obstáculos, enfim, o que dispunhamos no ato.

Wonderputt tem muito desse tom lúdico, com situações engraçadas, surreais e um visual psicolélico†. O acabamento é excelente. As animações são de encher os olhos – harmoniosas e detalhadas – ajudam a conduzir o andamento de um "buraco" para o outro. O som é bem agradável, contínuo e relaxante, com efeitos especiais bem tratados e coerentes, misturando elementos orgânicos e eletrônicos no mesmo cenário.

A mecânica é simples: em uma vista isométrica, conduza a bolinha pelo percurso, completando 18 buracos, fazendo tacadas no ângulo e força certa para cada situação. O tempo também conta. Ao final de cada partida, uma página demonstra via infográfico seus resultados.

Pontos negativos? Alguns elementos a mais de pontuação são adicionados conforme você joga novas partidas, mas o fator de rejogo não é muito convidativo. Embora o cenário sofra algumas alterações estruturais, o jogo poderia conter mais momentos aleatórios, possibilidades menos roteirizadas para tornar a experiência mais dinâmica.

Você pode jogar Wonderputt diretamente na página dos criadores neste link: www.dampgnat.com/wonderputt. Por permitir que você jogue em tela cheia – inclusive aumentando a imersão aperando F11 (fullscreen) do seu navegador – sugiro como alternativa este link. Também é uma boa opção jogar via Kongregate, onde o sistema mantém sua pontuação, conquistas etc.

Mais informações sobre o desenvolvimento do jogo no diário www.dampgnat.com/wonderputtwip. Ah, experimente também o "advergame" Adverputt.

1000 Game Heroes: os reis da ação

2011-09-13T20:54:00.000-03:00

Postagem anterior: 1000 Game Heroes: humor

Continuando nosso passeio comentado pelos capítulos do livro 1000 Game Heroes, esta quinta parte é referente aos personagens que figuram em jogos de ação: "Kings of Action".

A breve introdução para o capítulo – feita pelo editor da publicação David Choquet – faz menção à reiterada relação da violência com jogos eletrônicos. Bem, este é um assunto polêmico e infelizmente constante, temos verificado, em pautas da mídia que acaba, a maioria das vezes não buscando um aprofundamento que permita posições mais equilibradas, acusando os videogames, inclusive, por induzirem ações pontuais de agressão. Mesmo estatisticamente, onde o número de usuários de jogos eletrônicos sem padrão agressivo é muito maior que o oposto, desqualificaria qualquer relação de jogos com temáticas violentas com ações reais violentas.

Demonstrando pouco traquejo no uso destes produtos de entretenimento, eventualmente vemos grosseiras e indevidas acusações contra alguns games, como o famoso caso onde o jogo Counter-Strike era condenado por oferecer violência gratuita a idosos, quando na verdade o título trata de soldados versus terroristas e nem mesmo velhinhos existem no jogo! Sobre a opinião do leigo, que é ávido em acusar mas lento em buscar conhecer a mídia e sua linguagem, Choquet nos lembra que "os títulos mais vulgarmente indicados são os menos suspeitos" e continua: "os jogos no centro dessa discussão têm normalmente uma violência frenética muito diferente da existente na realidade".

Finalizo concordando, com justiça, com a máxima "se realmente alguma culpa pode ser imputada a esses jogos, então que seja partilhada com as notícias da TV, com filmes e com os livros, pois todos eles podem ser vetores de violência ainda mais chocante".

Seguem algumas imagens que ilustram Kings of Action.

Os seguintes jogos são citados neste capítulo: Ace Combat, Commandos, Dark Project, Driver, Ghost Recon, Headhunter, Hitman, Metal Gear Solid, Soldier of Fortune, Stuntman, Syphon Filter, Time Crisis, Turok, Virtua Cop e White Fear.

"Other Reflections", releitura de tema de Mass Effect 2

2011-07-30T19:13:00.020-03:00

O vídeo acima foi postado pelo nosso colega de grupo Benzaiten – o André Luiz Oliveira (8 Bit Instrumental) – em sua primeira experiência individual no formato "execução multicanal". Trata-se de uma releitura de quatro minutos para violões e percussão de "Reflections" (Jack Wall), faixa que encerra o álbum duplo da trilha sonora original† de Mass Effect 2 (Bioware, Electronic Arts, 2010).

O remix desenvolveu um crescendo interessante e um tom mais orgânico e intimista, diferentemente da versão original que tem pouco mais de 1', traz um clima espacial-sintética e executa a melodia e baixo em teclado e cordas.

Abaixo o André nos conta um pouco sobre como foi criar a versão.

André Luiz Oliveira – A ideia do arranjo da música veio de uma amiga, Estela, que sugeriu algum tema do Mass Effect. Então ouvi a música "Reflections" e achei que soaria bem nos violões. Na mesma noite gravei um arranjo sem alterar a estrutura original. Já cheguei a fazer alguns arranjos pra temas que não cheguei a finalizar, mas sempre tive esse interesse em gravar algum vídeo pra disponibilizar na Internet. Como não tinha uma câmera que desse uma qualidade interessante, nunca cheguei a fazer.
No dia seguinte resolvi fazer um vídeo desse arranjo com a ajuda do meu irmão, Luciano, que fez a captura das imagens. Modifiquei o tema original repetindo algumas partes e acrescentando um improviso com uma harmonia diferente. A primeira ideia era fazer cinco vídeos em um, mas por ser o primeiro tivemos mais trabalho do que o previsto. Por fim fechamos com três partes: um com o violão fazendo a harmonia, outro fazendo a melodia e um terceiro com a percussão. No áudio dá pra perceber uma percussão adicional que fiz no próprio violão (batendo de forma percussiva) e uma melodia que entra em alguns trechos.
O áudio foi captado com um microfone que passou por um programa de edição de áudio. O passo seguinte foi fazer a sincronização entre áudio e imagem em um editor de vídeo. Por ter feito três filmagens, completei o espaço restante da tela com imagens do jogo, pra contextualizar mais quem assiste.
Essa proposta de fazer vídeos caseiros na maneira "faça você mesmo" é muito comum pelo fato de ser algo rápido, mas depende sim de um equipamento que dê um resultado final interessante. Minha intenção agora é tornar mais rápida e prática a produção pra poder gravar outros temas e disponibilizar para o pessoal.

Releitura de clássicos para ajudar o Japão

2011-04-07T23:50:00.002-03:00

Esta veio como dica do Juunin – aqui na Benza como Osni Andrade Junior (risos!) – do Violão de 8 Bits. O "multiartista" Jimmy Wong criou algumas versões de clássicos de videogames e as está "vendendo" como forma de donativos que serão feitos integralmente para vítimas dos terremotos no Japão. Uma delas é o ótimo medley de Zelda, que postei acima.

Eu já comprei ela e a excelente versão a capella de Mario.

As músicas podem ser adquiridas em MP3, OGG, AAC, Flac e outros formatos via Bandcamp ou Itunes. Segue o canal do Jimmy no Youtube para você conhecer outros dos seus trabalhos: www.youtube.com/user/jimmy

A música e uma pitada da arte visual de Borderlands

2011-03-22T01:03:00.004-03:00

Para complementar a análise recente de Borderlands, em especial a trilha sonora com ilustração de algumas imagens que capturei do jogo, montei o vídeo abaixo.

A insanidade (às vezes sonolenta) de Borderlands

2011-03-14T06:50:00.010-03:00

O jogo Borderlands (Gearbox Software, 2009) tem a proposta de ser um "role-playing shooting", o que podemos entender como um RPG de ação, porém com o formato mais tradicional dos jogos de tiro em perspectiva de primeira pessoa.

Borderlands, em princípio, chega cheio de emoção, ação, música eletrizante, muitas armas e tudo isso com a adição de elementos de RPG. A começar pelo ótimo trailer (não confunda com um teaser mais antigo, com um estilo visual não correspondende ao jogo final). Na realidade, quando um game se propõe a ser um shooter e um RPG ao mesmo tempo – ideia que me agrada muito –, alguma característica nessa mistura será perdida em detrimento da outra. Na minha opinião, ambas as facetas (ação/RPG) tiveram reduções de qualidade, mas vou ter o cuidado de não enfatizar tanto os defeitos e falar mais das qualidades.

Bem, há essa loucura desvairada no ar de Borderlands e a arte da capa é genial e cumpre seu papel de passar essa sensação numa imagem sintética. Começa pelo estilo gráfico, muito similar ao que é visto no game em si. O personagem, um Psicho, em atitude agressiva e frágil ao mesmo tempo – note aí o desequilíbrio –, explode virtualmente sua própria cabeça e o sangue que jorra mostra uma cena frenética de uma luta num veículo do jogo. O fundo em vermelho forte usa o símbolo do jogo como grafismo e o título, em contraste primário de cor (vermelho-amarelo), usa letras gritantes com reforço de contrastes com os contornos pretos.

Ao iniciar um novo jogo, é feito uma introdução narrada e ilustrada em forma de desenhos rascunhados, que se presta a apresentar, de uma forma um pouco didática, a sinopse da nossa história.

Temos então o início do jogo em si, animações já reproduzidas pelo motor† do jogo (Unreal Technology), com renderização otimizada e relativamente leve. A música inicial (Aint no Rest for the Wicked) é empolgante e me remete ao cenário estilo velho oeste, duro e cruel. O estilo visual do jogo é o elemento artístico que eu destaco no produto todo. Há uma mistura de realismo com desenho em quadrinho, principalmente pelos contrastes nos traços e nos contornos pretos nos objetos.

São apresentados os quatro personagens possíveis de serem escolhidos como o protagonista. A introdução, dentro do ônibus, é otimamente bem resolvida e imita o início de um filme de animação. Dá vontade de cruzar os braços e ficar assistindo. Esse início, no entanto, logo se transforma em um "menu gráfico" e a interação inicia.

É aí que o personagem mais carismático surge: Claptrap, o robozinho animado, desastrado e melodramático, que é como que um guia no ínicio do jogo. Na verdade, muitos deles aparecem na campanha como guia; outros como prisioneiros e digo que é mais recompensador salvar os sofridos robozinhos que qualquer outro personagem do planeta! Acredito que se o jogo criasse mais personagens marcantes como esses, o lado RPG de Borderlands seria muito mais interessante. E detalhe: é hilário ficar vendo as palhaçadas dele no menu do jogo!

O início, como praxe, serve de tutorial aos principais comandos. Você logo aprende a atirar e recolher recursos pelo cenário. E isso você fará muito em Borderlands. Às pencas. Há muita variação de alguns itens como armas, granadas, escudos. Alguns itens serão encontrados no cenário e outros deverão ser adquiridos a um custo financeiro. Há, porém, limitações óbvias para a realidade do jogo: o personagem carrega um número tal de objetos e aí entram as decisões sobre o que ter consigo, o que carregar na mochila, o que vender ou descartar.

E com essas possibilidades, logo você também irá aprender a mecânica de troca básica do jogo: interaja com personagens, receba propostas de "trabalho" (as missões), aceite-as, execute-as e retorne para receber sua recompensa (dinheiro), que permite adquirir novos recursos ou dar manutenção aos já obtidos, como munição ou kits médicos, por exemplo.

O interessante sobre a execução das tarefas em Borderlands, é que você não tem uma ordem pré-definida para fazê-las, mas escolhe a esmo qual quer realizar no momento. A certa altura você terá inúmeras tarefas não cumpridas e não há uma indicação explícita para qual seguir antes, bastando uma delas ser definida como 'atual' para que as indicações da interface (bússula, mapa etc.) sejam coerentes. Essa liberdade pode ser bem aceita por alguns jogadores, mas também pode ter seus inconvenientes, como a não-linearidade do roteiro confundir um pouco o jogador ou mesmo prejudicar a curva de dificuldade, resultando em uma ordem aleatória tanto de fases fáceis ou difíceis, como também de chefes†.

O lado RPG do jogo, como deveria ser, demonstra as ações do personagem que resultam em evolução de experiência. Com o aumento de XP – os pontos de experiência –, a coleta ou compra de diversos itens, vários tipos de armas disponíveis, aceite de várias missões etc., você é levado a visualizar e manipular os dados das telas de gerência do personagem, conforme a imagem abaixo (clique para ver ampliada).

Essa mecânica de tarefa-recompensa segue por toda a campanha, evoluindo o potencial do seu personagem. A execução dos objetivos do jogo, no entanto, muitas vezes me parece um tanto fria e mecânica, bastando seguir a orientação da bússula ou seguir a indicação visual dos pontos indicados no mapa para facilmente conseguir seu feito sem muito envolvimento.

Para dar alma ao jogo, temos como mote a busca de um mercenário (nosso personagem) pelo lendário local chamado The Vault, acessível a cada 200 anos. É nesta locação, envolta por uma névoa de mistérios e mitos, contados de geração em geração, que as forças do bem estão a procura de uma chave que daria acesso a conhecimentos e poderes extraterrestres, algo valioso em Pandora, um planeta decadente, carente de recursos naturais, desértico, infestado por animais enfurecidos e gangues assassinas, que mais me fazem lembrar o cenário sem-lei de Mad Max 2. A história é simples e bem definida no início do jogo, mas se torna tão pobre, fria e perdida quanto o terreno desértico dos enormes cenários de Borderlands.

Tocando nesse assunto, eis um trabalho a se elogiar: a beleza estética dos cenários e das construções. O mundo aberto de Borderlands é impressionante e muito bonito, apesar da pouca vida e da organização esparsa de edificações.

Alguns mapas do jogo são bem extensos: são um prato cheio para aqueles jogadores que, como eu, gostam de explorar, mas obrigam o personagem a percorrer longas e demoradas caminhadas, o que começa a se tornar enfadonho com o tempo. Para reduzir este problema, o jogo conta com dois recursos: os teletransportes – uma forma de interligação entre certos mapas –, e um veículo armado com metralhadora e lança-míssel, projetado para dois lugares (é possível dois personagens no modo on-line). Mesmo assim, eventualmente é preciso atravessar longos caminhos a pé e considerando, contudo, o aparecimento de inimigos elatórios, essa característica acaba sendo bem massante no produto.

A trilha sonora do jogo tem boa qualidade, mas dentro do jogo tem seus altos e baixos: algumas faixas são mais energéticas, outras, porém, somadas às grandes caminhadas, podem ser meio entediantes. O que a torna interessante são as faixas dinâmicas, que entram em momentos de confrontos. De qualquer forma, boa parte do mistério e suspense do jogo pode ser justificado pelo clima que a trilha cria. No álbum original há duas faixas excluídas: a da animação do início do jogo (já comentada) e a música-tema dos créditos finais (No Heaven), creio que por serem faixas licenciadas.

O produto conta com um modo cooperativo de até 4 jogadores, um para cada classe. O interessante é que é possível tanto abrir o seu jogo para qualquer um participar quanto entrar em um jogo de outra pessoa. Os avanços feitos no modo multijogador ficam valendo efetivamente para sua campanha isolada. Como experimentei pouco o modo on-line, reservo meus comentários a isso.

Finalizando, Borderlands é um ótimo jogo, com uma proposta interessante. Tem um excelente acabamento e jogabilidade, uma direção de arte visual muito bem resolvida, animação, dublagem e trilha sonora de qualidade. É um jogo violento, sombrio e misterioso, com inimigos desvairados e protagonistas sádicos. Mas também com humor. Um jogo que, apesar de seus defeitos, vale a pena ser experimentado, mesmo porque proporciona algumas variações interessantes que melhoram o fator de rejogo, como a seleção do personagem principal, toda uma série de itens a ser experimentado, sequencias diferentes nos objetivos, como também os jogos multiplayer.

Leia mais no Wiki do jogo

Ajude as vítimas das enchentes no Rio

2011-01-17T00:21:00.006-02:00

O blog Gagá Games organizou uma campanha para recolher auxílio às vítimas das enchentes no Rio de Janeiro, mobilizando os canais de amigos da área de videogames e oferecendo brindes para premiar os doadores.

Neste link você tem todas as informações sobre como pode realizar sua contribuição.

As imagens (Globo/You Tube) foram retiradas do vídeo postado no texto.

Parabéns ao Orakio e ao pessoal do Gagá pela iniciativa.

Fotografia em jogos eletrônicos (parte 2)

2010-12-11T01:30:00.004-02:00

Fotografia como recurso diagético e a experimentação da fotografia virtual

Parte 1 do artigo

Diante das mais diversas possibilidades de simulação do mundo real dentro dos jogos eletrônicos, o ato de fazer fotografias não poderia deixar de ser mencionado, pelo menos nos jogos mais modernos, com maiores possibilidades técnicas.

Alguns games, eventualmente e em maior ou menor relevância, incorporam a fotografia em seus roteiros como uma ferramenta interativa ativa ou meramente um recurso paralelo de captura de cenas onde, como na fotografia real, objetiva congelar no tempo a imagem de um acontecimento qualquer. A diferença aqui é que este “acontecimento” é virtual.

Produtos como Grand Theft Auto - San Andreas (Rockstar North, 2004), como Lucas Haeser bem menciona em sua postagem no blog Benzaiten – e que deu origem a várias discussões em grupo sobre o assunto – incorpora recursos de captura via fotografia virtual. The Sims (Maxis, 2000) também traz um recursos de fotografia simplificado e melhora na versão três do mesmo jogo (Visceral Games, 2009), quando permite passear pelo cenário pela visão da lente da câmera e simular o uso de zoom.

O já citado Bioshock faz da fotografia um interessante recurso diagético (quando a fotografia é praticada como realidade dentro do universo do jogo): em certa altura da história, o protagonista recebe uma câmera fotográfica e certa quantidade de filmes para, a partir dali, ir registrando certos personagens e maquinários durante suas andanças por Rapture, a cidade submarina onde acontece o jogo.

Há, porém, o caso onde a fotografia é tema primordial do produto. Em Afrika (Rhino Studios, 2008) o personagem principal é um fotógrafo profissional que recebe missões de retratar específicas cenas da fauna e do cenário natural africano. Aqui, em se tratando do mote principal do jogo, a fotografia recebe atenção especial e detalhada, tarefa que procura criar algumas dificuldades em conseguir boas imagens. Há a questão financeira para aquisição de equipamentos e, com eles, aumentando as possibilidades criativas; a dificuldade em conseguir um bom posicionamento e acertar o tempo para uma boa composição; o perigo em aproximar-se demais do assunto quando este é um animal feroz ou que se assusta facilmente, e assim por diante.

A partir do momento que o jogador de videogame percebe que um produto lhe proporciona prazer estético a partir da fruição visual, seja valorizado pelo lado tecnológico, por questões afetivas ao jogo em si ou pela beleza compositiva da fotografia, ele passa a dar mais atenção na arte pictória e, assim, exigir mais e mais qualidade. Com as produções e recursos técnicos melhorando, gamers passam a registrar em imagens passagens especiais dos seus jogos preferidos: surge a “fotografia virtual”, como chamamos em nossas conversas sobre o assunto, na lista de discussão Benzaiten.

A fotografia virtual feita pelo usuário de videogame parece ter função primordial similar à da fotografia convencional: a de registrar um momento, representando-o em uma única imagem para a posteridade. O momento, o ambiente, a verdade sendo retratada apenas existe digitalmente, mas carrega potencialmente emoções, expressividade, peculiaridades, desafios, beleza etc. que tem valor ao seu autor (no caso, o jogador).

Mirror’s Edge (EA Digital Illusion, 2007)

Crysis (Crytek Frankfurt, 2007)

Salvar telas dos games começa se tornar um hobby para alguns jogadores. Imagens são postas em galerias e compartilhadas entre seus apreciadores. Em princípio, a fotografia virtual pode soar um artifício raso, um mero ato de apertar o botão Print Screen e capturar uma tela do jogo. No universo virtual de um jogo de visão em primeira pessoa, no entanto, esta prática pode ganhar uma amplitude que pode ser convidativa ao usuário mais curioso em experimentar compor e registrar, com algum nível de liberdade, suas próprias imagens.

A captura de cenas particulares vai além do ato mecânico e frio, pois um “fotógrafo virtual” incorpora na pele do protagonista e o jogo ganha uma dimensão diferente do objetivo inicial do game, proporcionando ao usuário novas perspectivas: a da observação do mundo visual que o cerca e também a procura por composições ou momentos especiais para serem capturados.

A nova tarefa, a do fotógrafo virtual, então, ganha novos desafios. A maioria dos jogos atuais não dispõe de mínimos recursos para realizar esta nova “fotografia”. A inexistência de uma interface que simule os recursos de “máquina fotográfica virtual” e outras restrições inerentes ao universo do jogo eletrônico em questão – problemas práticos, como por exemplo, ter que se relacionar com os desafios originais do jogo enquanto fotografa – criam barreiras técnico-criativas. Elas, no entanto, podem se transformar em desafio tanto para a pura observação dos eventos dentro do universo do jogo, quanto no exercício artístico da busca de imagens mais inventivas, procurando ampliar a sua expressividade pessoal e vencer as dificuldades impostas, assim como é na fotografia convencional e suas outras dificuldades.

Assim como surgem outras mídias paralelas que complementam e dão visibilidade às artes nos jogos eletrônicos, produtos como livros ilustrados, trilha sonoras em CD, rádios, bandas, filmes baseados em jogos etc., é possível que esta chamada fotografia virtual seja vislumbrada, no futuro, cada vez mais como uma ferramenta de interação, de expressão e de entretenimento.

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Fotos dos produtos: imagens digitais de suas respectivas empresas desenvolvedoras. Todas as fotografias virtuais capturadas por Alexandre Maravalhas.

Fotografia em jogos eletrônicos (parte 1)

2010-12-03T02:35:00.008-02:00

Considerações sobre fotografia virtual, em especial nos games com perspectiva de primeira pessoa

O desenvolvimento de jogos eletrônicos atuais, em especial aqueles produtos que desejam ser competitivos comercialmente, exige uma equipe multidisciplinar de profissionais especializados e competentes em suas áreas. Uma das atividades que vem se destacando é a fotografia.

A fotografia para o cinema atualmente também é referenciada como cinematografia. A cinematografia é, essencialmente, a atividade técnico-artística da fotografia tradicional com a inclusão do elemento cinemático, ou seja, o movimento e o universo a que ele se relaciona. Exceto por isso, basicamente um filme é a constituição animada de uma série de fotogramas em sequência.

Definiremos aqui a fotografia para um produto eletrônico interativo – os videogames – como o trato criativo, estético e técnico relativo à qualidade de composição das imagens que são apresentadas ao usuário (ou espectador). E quando mencionamos, então, o trabalho plástico das imagens que são apresentadas ao jogador em um videogame, precisamos também reforçar que parte importante deste esforço vem na atuação de outros profissionais como artistas visuais, modeladores, roteiristas, inclusive atores e também programadores.

Eles atuam, com maior ou menor ênfase, na criação e animação das imagens de uma forma autônoma. O fotógrafo, no entanto, atuará em como estes elementos se compõem, harmonizando-se entre si e entre o seu entorno, para satisfazer as seguintes necessidades:

estética: contribuindo para a satisfação plástica da cena;
comunicação: atuando com a linguagem visual, transmitindo um clima determinado;
funcional: se a comunicação visual da cena está sendo efetiva dentro das necessidades de usabilidade de cada produto, por exemplo, não escondendo determinado elemento importante na cena.

É importante mencionar que a função do “fotógrafo para games”, aqui enfatizado como uma atuação especialista, será muitas vezes citado como “animador”, no sentido de ser o profissional que define como os planos são apresentados, como a narrativa ocorre visualmente (criando storyboards), ou mesmo manipulando os softwares de edição de imagens 3D.

Com a ampliação do orçamento, eventualmente a equipe de desenvolvimento aumenta em número e, assim, em uma grande produção, podemos pensar na diferenciação hierárquica entre o animador (itens 1 a 3) e o fotógrafo (item 4):

animar os componentes fundamentais (exemplo: animação genérica de um personagem caminhando);
animar os elementos compostos (exemplo: animar um personagens dentro da cena);
animar o entorno (exemplo: animações contidas no cenário);
por fim, a fotografia como sendo o ato de realizar a composição final da cena, que também preocupa-se com o aspecto dos elementos individualmente, mas sobretudo na cena globalmente.

Half-Life 2 (Valve Corporation, 2004)

Half-Life 2 – Lost Coast (Valve Corporation, 2004)

Para uma abordagem inicial, podemos distinguir dois tipos de atuação do diretor de fotografia para games: 1. fotografia para as animações de narração autônoma (cinemáticas não-interativas) e 2. fotografia para o gameplay, atuando nas composições do visual do ato interativo, ou seja, do jogo em si.

A primeira atuação é tradicional: equivale ao cargo de direção de fotografia para o cinema, teatro ou para publicidade. É na segunda atuação que reside o maior desafio do fotógrafo. Como na composição musical para videogames, a inclusão do elemento interativo exige um esforço exponencialmente maior para projetar e controlar a maioria das possibilidades.

Prever e controlar minimamente o resultado das cenas possíveis em um jogo de perspectiva em primeira pessoa é duplamente difícil: de um lado, o cenário deve ser planejado de tal forma que o aspecto das cenas seja belo, independentemente de qual vista o personagem se encontre; por outro lado, o jogador não deve perceber esta limitação e sentir a sensação de que tem controle da situação, quando na verdade isto é meramente uma ilusão criada no jogo, dado as restrições tecnológicas das produções contemporâneas.

Podemos, então, mencionar algumas das preocupações que podem ser tarefas do diretor de fotografia para videogames:

Usar a composição figurativa e cromática como linguagem de comunicação para transmitir uma mensagem, passar um clima ou insinuar algo.
Usar a iluminação não apenas funcional, mas como ferramenta estética e de dramatização.
Tratar da composição no preenchimento da cena, levando em consideração toda uma sequência.
Utilizar recursos como foco, profundidade de campo, iluminação, plano etc. para definir pontos de atenção.
Pensar no posicionamento da imagem, como por exemplo o uso de câmera alta/baixa, em para amplificar a dramaticidade.
Trabalhando conjuntamente com um editor de imagens, o fotógrafo pode criar os movimentos de câmera, pensando em como os elementos transitam pela cena equilibradamente, tomando cuidados específicos como, por exemplo, evitar que a animação não se torne nauseante ou repetitiva desnecessariamente.

Como estamos tratando aqui de fotografia virtual, obviamente preocupações como tipo de lentes, abertura ou sensibilidade de filmes são elementos desconsiderados teoricamente. Estes princípios da fotografia analógica, no entanto, podem ser recriados com recursos digitais. No jogo Bioshock (2K Boston/Austrália, 2007), por exemplo, há momentos onde o personagem principal – ao passar por determinados locais – se depara com cenas que revelam-se como sendo memórias de um passado recente: um "flash" traz à tona imagens de personagens que ali viveram. Nestes momentos, a direção de fotografia modifica a atmosfera do cenário onde o personagem se localiza, tornando a cena monocromática e granulada. Este recurso técnico deixa claro que o que está sendo visto não pertence mais aquele momento no tempo e, ao personagem, basta observar.

Bioshock (2K Boston/Australia, 2007)

Resident Evil 5 (Capcom, 2009)

A fotografia pode ser atuante em jogos de primeira pessoa em inúmeras situações. Escurecimento da tela, imagens fora de foco, animação específicas de câmera como tremores, angulações irregulares, luzes de reflexo na lente, simulação de quedas, são alguns exemplos. Mais recentemente os novos motores de jogos tridimensionais incluem a redução da profundidade de campo em ocasiões especiais – um efeito de pós-renderização que borra elementos que estão distantes ou muito próximos, ou em outros casos, simplesmente mais às bordas – para oferecer mais um recurso estético, dramático na visão de primeira pessoa, e também ser uma mecânica visual indicial que direciona o cerne da atenção ao jogador.

Outro recurso visual usado para aumentar o efeito de realidade de algumas cenas é o uso do motion blur para indicar objetos em movimento rápido. Ele simula os casos de captação de imagens em velocidades mais baixas de obturador, no caso referencial da fotografia tradicional. Além da imagem estar “realmente” em movimento na tela do monitor, um efeito de borrar direcional é aplicado ao objeto, aumentando esta percepção.

As bases da fotografia tradicional, então, são constantemente – e cada vez mais – referenciadas na direção de arte para jogos com perspectiva de primeira pessoa que, no desejo de proporcionar maior imersão ao jogador (não necessariamente sob o aspecto do fotorrealismo), traz à tona uma afinidade cultural acerca da iconografia de um produto eletrônico em franco amadurecimento – como os videogames – em relação a formas de expressão artísticas que o precedem.

Parte 2 do artigo

Uma pequena galeria de fotos virtuais de Bioshock

2010-10-29T02:02:00.005-02:00

Fiz uma série de fotos virtuais de Bioshock (2007, 2K Boston/2K Austrália) e selecionei algumas para nossa galeria, no Flickr. Costumo tentar não ser tão sequencial ou postar imagens muito reveladoras. Não sei se sempre consigo...

Veja nossa galeria no Flicker

A nova expressão da demoscene

2010-10-24T04:20:00.009-02:00

A demoscene, ou a cena das demonstrações gráficas, chamadas de demos†, mais populares na Europa, onde acontecem grandes encontros, campeonatos e uma verdadeira comunhão entre o pessoal de ciência da informática e atistas, parece estar um pouco esquecida nos tempos da informática atual. Tomei conhecimento desta forma de expressão artística e de exibição técnico-científica na época que tive um Amiga 500†, computador famoso por suas capacidades audiovisuais. Nesse período, a computação gráfica se limitava ao uso de disquetes simples (discos de até 1 MB de capacidade) e, mais raramente, HDs com capacidade que hoje facilmente seriam substuídos pelos nossos pequenos pen drives.

Bem, me perdoem falar de um assunto que não trata de interatividade – objeto recorrente e fundamental aqui na Benzaiten – mas acredito que as demos tem muita relação com jogos eletrônicos, artes plásticas, expressividade e emoção.

Como dizia, na época de ouro das demos, os pequenos grupos que produziam estas animações – geralmente composto por uma pessoa de artes visuais, um músico e um programador – se expremiam em poucos kbytes para mostrar seus talentos. Posso estar sofrendo do mal de miopia tecnológica, quando você se foca no que é possível realizar hoje como sendo o estado da arte das possibilidades. Mas naquela época as demos tinham um caráter bem mais "tech demo" do que de arte, embora esta fosse um elemento recorrente, em maior ou menor nível expressivo.

Hoje, muitos anos depois disso, resolvi experimentar algumas produções contemporâneas da demoscene. Daqui a 10 ou 20 anos eu posso me corrigir (novamente) mas achei algumas criações que vi simplesmente deslumbrantes e poderosas!

As demos modernas ganharam mais liberdade criativa, muito maior espaço de expressão e possibilidades. A linguagem visual não se limita tanto àquela da informática, geométrica, simétrica e rígida, mas ganhou liberdade amórfica, fluidez, organicidade e imperfeição. Estes novos trabalhos me soaram muito com videoarte, ou seja, há uma tendência (provavelmente leiga) à liberdade total para a escolha dos seus rumos.

A trilha ganhou formato livre; acho que a mídia que mais se libertou de limites técnicos. A expressão visual ganha asas enormes e parece se restringir apenas ao tamanho final arquivo (às vezes impostos nos torneios). Eu acho que cabe a tarefa do programador ainda bastante esforço em "raspar bits", gíria que significa dominar linguagens de baixo nível e conseguir um extremo grau de otimização, a fim de que a animação seja fluída e compatível com os computadores atuais. Obviamente as criações com maior devaneio por parte dos artistas se limitam, na prática, aos algoritmos de programação necessários para que elas se tornem concretos na tela.

Por fim, acredito que o fascínio que as demos exercem sobre algumas pessoas se deve a alguns fatores. Primeiramente pelo inesperado: uma demo não vem com trailer; ao iniciá-la em seu computador é como uma viagem ao desconhecido. Outro fator obviamente é o científico e tecnológico: qual a dificuldade de se programar, de punho, uma rotina para executar determina animação ou como se chegou a fórmula para realizar matematicamente um efeito no computador? Como o computador processa tanta informação e realiza tamanha complexidade gráfica em tempo real, algumas vezes com tamanhos de arquivos impressionantemente pequenos? Por último, a magia da arte, da expressão pessoal de seus criadores, seja ele um artista gráfico ou um músico, e porque não de um programador, expressando-se pela beleza da ciência?

As demos recentes, em contrapartida com àquelas de uma década atrás, não se prendem tanto aos tamanhos finais dos arquivos. Há demos de 20, 40, 80 Megabytes de tamanho! Essa "liberdade" tecnológica pode gerar "preguiça" em otimizar o código da programação, como também, por outro lado, trazer mais leveza ao ambiente criativo, se permitindo abusar mais dos recursos dos novos computador em detrimento da expressão de uma ideia.

Tanto há as demos gigantes como também ainda persistem as extremamente reduzidas: permanecem as categorias de 64 KB e os incríveis 4 KB totais de arquivos, incluindo o áudio! Portanto, reitero, é possível que a demoscene esteja migrando para uma nova área, mais humanística, um pouco diferente de sua origem, mais voltada à tecnologia. Será que elas irão desaparecer neste formato e se transformar em "simplesmente" videoarte?

Bom, chega de teorizar e vamos a algumas sugestões. Navegando na Internet, caí no site Scene.org, que abriga conteúdo relativo à demoscene. Eu não sei qual a qualidade desse site em relação ao universo do assunto, já que fiz uma pesquisa muito rápida e estou bem desatualizado. Se porventura você tiver alguma outra sugestão, por favor, deixe nos comentários.

Um aviso: como estamos falando dos programas originais das demos sendo executadas em um computador moderno e não de vídeos previamente gravados – há inúmeras demos salvas no You Tube (obviamente a melhor experiência será conseguida assistindo a ela sendo executada em tempo real) – é importante escanear os arquivos em seus anti-vírus pois em alguns arquivos que baixei encontrei avisos de "trojans", o que acredito sejam falsos positivos. De qualquer forma vou indicar apenas os que considerei limpos, mas sugiro cuidado acerca disso. Se não dispor de boa máquina para rodar as animações ou preferir vê-las no You Tube, com facilidade se encontram os vídeos das demos sugeridas, bastando pesquisar pelos seus próprios títulos.

As demos que vou sugerir foram testadas em um PC, Windows 7, e boa capacidade de processamento gráfico e de CPU. A maioria das animações permitem ajustes na qualidade, de forma que você pode adequá-la ao seu equipamento, se necessário. Como estou colocando imagens para cada demo, vou tentar não comentar muito para não estragar o elemento surpresa. Os links para download estarão no títulos a seguir.

Blunderbuss (9 MB)

Começamos com um pequeno poema chamado Blunderbuss: com uma ideia simples, lírica e um toque surreal, canta uma trilha acolhedora e relaxante.

Wrath (14 MB)

Com uma trilha de momentos militarescos, Wrath tem uma forma obscura e densa de passar sua mensagem. Lindamente bem acabada.

Rudebox (4 KB)

Não, não digitei errado. Esta demo faz parte das incríveis microprogramações que consegue a proeza de fazer o que faz com míseros 4 Kbytes de executável (o pacote vem com outro arquivo de texto explicativo com também 4 KB, o que me faz ainda não acreditar nessa compressão)!

Chameleon (42 MB)

Uma animação mais pop, com ilustrações vetoriais, ora figurativas, ora abstratas. Na pasta "Music" do pacote há uma versão remixada da trilha.

Extatique (30 MB)

E pra encerrar, incluí esta demo que mais vale por ser old school, com exemplo do uso de alguns efeitos de certa forma costumeiros na antiga demoscene, tomada as devidas proporções de renderização atual. Temos túneis, fractais, imagens infinitas e o clima trance.

Palestra (SP): "Japão – um olhar ocidental a partir da cultura dos videogames"

2010-10-14T00:02:00.004-03:00

A Roberta Fialho divulgou nos bastidores da Benzaiten e eu replico aqui a palestra "Japão: um olhar ocidental a partir da cultura dos videogames". Acontece em São Paulo (SP) no dia 19 de outubro, às 19h30, no Espaço Cultural Fundação Japão. O evento gratuito terá como palestrante Adriana Kei, professora no curso de Design de Games e Tecnologia em Design de Animação da Universidade Anhembi Morumbi.

Para todos os detalhes e fazer sua inscrição, clique aqui.

Cultura Visual nos Jogos Eletrônicos: apresentação

2010-09-30T18:50:00.002-03:00

A Condição Eletrolúdica – Cultura Visual nos Jogos Eletrônicos, obra de Guilherme Xavier (Teresópolis, 2010), será o próximo livro que vou resenhar aqui no blog. (Lembrando, aliás, que estou devendo continuações das resenhas do "eterno" 1000 Game Heroes.)

O produto da série Ludo é editado pela Novas Ideias, um selo da 2AB Editora. No formato 16x23 cm, com miolo em papel offset 90g/m² impresso em preto, a obra se destina a falar de arte, design, ludologia, mas não se presta a ter um acabamento de livro de arte e sim, ao que me parece, aprofundar-se no tema em que o título explicita, ou seja, em sumo, explorar a cultura visual em jogos eletrônicos.

Para os créditos, convém mencionar o design desenvolvido por Guilherme Xavier e Vitor Barreto e, especificamente o design gráfico do miolo criado por Arthur Bobany, autor de Videogame Arte, obra já citada aqui no blog.

A estrutura

O sumário nos traz em duas páginas a seguinte estrutura principal, sem detalharmos os subitens: Agradecimentos; Introdução; O design, o designer e o jogo; Uma dupla manifestação; Evolução e panorama; A ordem dos eixos; Circuitos: sedução, implicância, convencimento e instrução; A linguagem visual conquistada; Ludologia e Referências bibliográficas.

O livro é uma evolução de projeto de conclusão acadêmica de seu autor; digo isso pelas menções iniciais feitas nos agradecimentos. A densidade do texto, como também o formato do livro, sugere que, apesar do foco ser os aspectos visuais dos videogames, estamos diante de um trabalho mais teórico que ilustrado, embora tenhamos várias menções figurativas apropriadas.

A diagramação é agradável; a mancha de texto é limpa. Me incomoda, no entanto, a variação de colunas entre as páginas com e sem ilustrações nas "margens de estudante". Acho um pouco excessivo também os grafismos que fazem referência aos condutores eletrônicos em placas de circuito impresso. Sempre acho que esta abordagem dos produtos ditos eletrônicos merecem um tratamento visual mais orgânico do que "computacional".

Introdução

No início da introdução, o autor nos coloca o conceito de produto eletrolúdico: "o jogo eletrônico é atualmente pilar de uma estrutura cultura e simbólica maior, que envolve não apenas especialistas em suas conceituação e construção [a construção anterior me pareceu um erro de edição...], mas toda sorte de indivíduos prontos a participar da disseminação de um potente modelo tecnológico, como autores e atores".

Continuo com outra definição que acho interessante e que diz que o "jogo eletrônico tem como mote permitir que a estrutura lúdica nele manifestada seja alterada pela retroalimentação configurativa de um ou mais indivíduos operadores, que doravante chamaremos de jogadores".

Para os designers, o autor reserva e cita as tarefas de gestão, construção, documentação, divulgação ou estudos na área de games. Meu pensamento, como sempre digo, é bem mais restritiva quanto as atuações do designer no tocante a jogos: me limito a dizer que considero o designer um profissional preparado para tratar dos assuntos relativos à identidade visual, tipografia, embalagem, interface, esta última nos dando margem para discussões maiores e posteriores.

E antes de prosseguir da introdução para o próximo capítulo (exatamente o tema "O design, o designer e o jogo"), Guilherme nos alerta para a necessária incursão histórica nos formatos dos aparatos usados como meio tecnológico (arcades, consoles, portáteis e microcomputadores) como preliminares ao estudo das questões visuais, que é foco da obra. Então, até a próxima!

Projeto Jogo Justo

2010-08-18T00:50:00.012-03:00

O projeto Jogo Justo, idealizado por Moacyr Alves Júnior, busca diminuir a carga tributária nos jogos importados vendidos aqui no Brasil. A intenção é mostrar por meio de um relatório baseado em informações comerciais de desenvolvedores e lojistas que o mercado de games nacional tem um enorme potencial. Como comparação, será utilizado o que ocorreu no México, quando o mercado de jogos cresceu oito vezes após a diminuição da carga tributária.

O Jogo Justo visa diminuir o preço dos games, dos aparelhos de videogame e de seus periféricos, fazendo assim com que o consumidor final tenha cada vez mais contato com os games, forma de cultura cada vez mais disseminada do mundo. Como consequência disto, o mercado nacional irá se desenvolver, além da possibilidade de mais produtoras se instalarem no Brasil, gerando de uma forma gradativa, mais empregos no setor.

O Projeto Jogo Justo foi criado dentro de uma comunidade e independe de ordem política, empresarial e da geração de lucros. Começou a ganhar forma no segundo semestre de 2010 e no mês de novembro encontrará seu primeiro desafio, quando mostrará todo o seu potencial para a Receita Federal.

Durante uma conversa em Brasília, serão apresentados os benefícios de se diminuir a carga tributária dos jogos vendidos no Brasil, onde os games passariam de R$ 250 para R$ 99. Caso seja aprovado pela Receita Federal, o plano poderá entrar em vigor já no início de 2011.

Texto do site Jogo Justo, por Thiago Simões

Belas capas de PS3 no Design on the Rocks

2010-08-03T00:30:00.004-03:00

O blog Design on the Rocks publicou ontem uma coletânea da arte de belas capas de jogos de Playstation 3. Selecionei três delas, mas clique aqui para visualizar a postagem original, com 60 imagens ao todo.

A arte de "Sentinela: manual de operação"

2010-07-17T12:30:00.004-03:00

No menu de opções do Team Fortress 2 (Valve Software, 2007), dentro do Steam, o item "Ver manual do usuário" – (feliz ou) infelizmente, cada vez mais fornecido em meio eletrônico – nos leva a este belo manual do jogo. Do jogo, meia verdade, porque trata-se estritamente de "vender" alguns conceitos acerca da montagem das sentinelas pelo personagem Engenheiro no jogo.

Originalmente no formato 16,3 x 22,8 cm e seis páginas, no formato digital para download tem 2,2 MB. O linguajar do material simula a aquisição real da aparelhagem, incluindo meta-anúncios inseridos no conteúdo e algumas informações de tom sarcástico – conveniente e coerente com o tema do jogo – como: "Be aware that the makers of Sentry are not responsible for any injuries that may occur while using this product, including but not limited to loss of vision, limbs, pets, loved ones, or accidental death".

Enquanto mantém-se no clima do jogo, ele dá informações veladas sobre manutenção e atualização das máquinas durante o jogo. O intuito, ao meu ver, na verdade, é mais apelativo do que informativo. O "manual" privilegia o visual e impõe a ambientação retrô do game. O design tanto respeita e valoriza as ilustrações técnicas vetorizadas, como procura manter certo estilo antiquado.

Especiais são as excepcionais ilustrações romanciadas com suas pinceladas expostas e pequenos "defeitos" displicentemente deixados aparentes. Excelente produção, aliás, como sempre em se tratando de TF2!

Entrevista de Roger Tavares na Jovem Pan sobre jogos e educação

2010-07-11T19:08:00.006-03:00

Separei hoje a entrevista de Roger Tavares, no canal Espaço Online da Jovem Pan, falando sobre o tema "Aprendizado com games". A matéria veiculada em maio – não é exatamente recente –, e apresentada por Patrícia Rizzo, registra meia hora de ótimo papo com o mestre Roger Tavares, fundador da Comunidade Gamecultura.

Segue abaixo o vídeo embutido e, em seguida, alguns tópicos que separei para quem quiser pontuar o assunto.

01'20" Idade média dos jogadores hoje: 30 anos.
01'40" Por que os jogos eletrônicos são tão valorizados na sociedade?
04'00" Videogames vão contra a formação cultural de crianças e adolescentes?
05'10" Classificação etária para os jogos.
07'20" Jogos violentos favorecem seres humanos agressivos?
10'00" Com qual idade recomenda-se uma criança começar a jogar videogames?
12'50" O uso exagerado de games.
15'00" Jogos com longa duração de uso.
17'50" Jogos na sala de aula.
20'40" Educação colateral.
25'00" Virada cultural com videogames.
27'50" Preconceito a respeito do conteúdo dos videogames.

Evolução dos videogames: palestra de Moacyr Alves no SP Game Show

2010-07-04T23:30:00.004-03:00

Acontece em São Paulo, a partir de 9 de julho, o SP Game Show 2010, um evento de conteúdo voltado ao entretenimento digital, cultura, produção na área e apresentação musical. Publicamos o release do evento em nosso site e também buscando colaborar, intermediamos o convite aceito pelo colega de grupo Moacyr Alves para palestrar. O tema da sua palestra será "Evolução dos videogames", e gostaríamos de publicar aqui uma introdução ao assunto.

Como sério colecionador de consoles e jogos, desde os mais antigos – desconhecidos por muitos, bizarros ou máquinas de pouca popularidade – até os mais recentes equipamentos de games, Moacyr, este requisitado palestrante tem uma vivência histórica e prática dos videogames como poucos. De máquinas arcaicas e limitadas, com imagens monocromáticas ou meramente representativas e abstratas até verdadeiras centrais de entretenimento, com imagens de alta definição e produção de porte cinematográfico, ele conhece e usou todas.

Essa vivência e estudo de colecionador lhe ampara com um repertório que, para muitos dos apreciadores de games contemporâneos, soa como um universo distante e restrito, corriqueiramente teórico. Na rápida entrevista a seguir, Moacyr nos dá uma amostra de sua abordagem na apresentação do SPGS 1020, que acontece no dia 10 de julho (sábado), às 15 horas, no Centro de exposições Mart Center.

Moacyr, como citado na apresentação, você é um entusiasta e privilegiado colecionador, uma pessoa que pôde fazer uso de muitos tipos distintos de equipamentos voltados ao entretenimento eletrônico, muitos deles constando em sua coleção particular. Como seria possível, em uma palestra voltada, em geral, para pessoas mais jovens – que por motivos óbvios de vivência, podem não ter o mesmo distanciamento do que o videogame é hoje, do que ele foi no passado e do que ele poderá vir a ser num futuro próximo? Como você busca levar essa visão histórica em suas apresentações, com o objetivo de proporcionar essa visão mais abrangente?
Moacyr Alves – Bom, eu tenho duas armas fortíssimas para a apresentação da palestra. A primeira é a história em si dos videogames, que sozinha já é interessantíssima. Nela, conto desde os primórdios do videogame até os dias atuais, porém com ênfase na estratégia de cada empresa e o porquê de se criar aquele console, naquele determinado período.
Falo, por exemplo, da história da ascenção e queda da Atari e suas justificativas. Falo da mesma trajetória da Sega e assim por diante. Como o público para esse tipo de palestra tem idade bem variada, eu trabalho esse aspecto histórico para tanto os – digamos – "old players", como também para a nova geração, que está "plugada" na Internet.
Posso dizer que vou de 1 Kbyte à 20 Gigabytes em minha palestra. E mais: depois de meus estudos sobre a história destas empresas, percebo como a indústria dos games é criativa e ao mesmo tempo concorrida! Impossível não gostar do tema do modo como eu consegui abordar no material para a palestra. Foram necessários meses de pesquisa e muito discernimento para conseguir – em poucos slides e também em poucas palavras – passar por toda a história do videogame.
A outra arma que eu diria que é fundamental nela, é meu entusiasmo ao fazê-la e ao apresentá-la. É um tema que sou um apaixonado e também me tempo me sinto à vontade com o público. Prometo que farei o possível para oferecer mais cultura do que imagina o participante mais aventureiro. Sendo assim, quem vier, verá. Nos encontramos no SPGS 2010!

SP Game Show 2010
Site: www.spgameshow.com.br
Data/horário: 10 de julho (sábado), às 15h
Local: Centro de exposições Mart Center/São Paulo/SP
Palestra/autor: "A evolução dos videogames" por Moacyr Alves Jr.

Wiki oficial do Team Fortress 2

2010-07-03T12:24:00.054-03:00

A Steam News avisa, via blog do Team Fortress 2, do lançamento do Wiki oficial do jogo.

Como um Wiki que se preze, o conteúdo é muito interessante, bem produzido e, em algumas vezes, bastante extenso. No menu principal, começamos com páginas para cada personagem, que é um ponto importante do jogo, já que se baseia em uma arena de esforço coletivo das especialidades de cada classe: Scout, Soldier, Pyro, Demoman, Heavy, Engineer, Medic, Sniper e Spy.

Outras opções dos destaques da capa são, por exemplo, a tabela completíssima de armas, a lista original dos mapas, as conquistas, os itens coletáveis, os chapéis e outros. Há também outras seções "menores" como a trilha sonora, personagens não-jogáveis, referências do jogo e a seção de curiosidades "você sabia que" e tantas outras.

E como sou muito fã do visual estilizado do jogo, como também das situações cartunescas, separei algumas imagens para ilustrar o conteúdo iconográfico do produto (clique para ampliar).

Acesse aqui o Wiki do Team Fortress 2.

Seleção romântica (e melancólica) de temas para Metal Gear

2010-06-19T23:20:00.002-03:00

Abaixo, no player do Go Ear, uma seleção de temas românticos ou, não necessariamente, melancólicos, mas de qualquer forma, belas canções. As músicas escolhidas estão listadas mais a seguir e mostram que um videogame de espionagem também pode ter seus momentos emotivos.

A seleção contém trechos das seguintes faixas:

Metal Gear Solid - Original Game Soundtrack (00'00")
"End Title - The Best is Yet to Come"
Metal Gear Solid 2 - Sons of Liberty - Original Soundtrack (02'02")
"Can't Say Goodbye to Yesterday (Full Version)"
Metal Gear Solid 3 - Snake Eater - Original Soundtrack (03'24")
"Snake Eater"
"Surfing Guitar"
"Sailor"
"Salty Catfish"
"Don't Be Afraid"
"Way to Fall"
"Pillow Talk"
"Sea Breeze"
Metal Gear Solid 4 - Guns of the Patriots - Original Soundtrack (12'50")
"Love Theme"
"Here's to You"
Metal Gear Solid - Peace Walker - Original Soundtrack (15'53")
"Heavens Divine"

Ilustrações em "pixels 3D" por Metin Seven

2010-06-15T00:00:00.001-03:00

Criações retrô com pixel estão em voga. O 3D também. Videogames, bem, é tema por aqui e ilustrações bacanas são sempre bem-vindas. É o caso da postagem feita no site Le Blog de Bango que mostrou alguns trabalhos do ilustrador Metin Seven. Abaixo, algumas delas.

Futurólogos: joysticks

2010-04-27T23:40:00.003-03:00

Postagem inaugural: cenários

Na segunda postagem coletiva da série Futurólogos, onde nossos colegas descrevem suas invenções (ou visões, admitem alguns), falemos do tema joysticks. Controle, manche, comando; com fio ou sem; com botão, com muitos botões ou nenhum; enfim, o assunto "joystick" dá algumas alternativas para as formas de manipulação – ou interação – com os diversos mecanismos possíveis dentro dos videogames. Com a palavra, os Benzaitens participantes desta coletiva.

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Alexo Maravalhas – Quem aqui, na frente de um videogame, nunca torceu o pescoço, deu aquela balançada com o corpo, tentou se levantar na cadeira pra "ver melhor" algo na tela ou mesmo sofreu algum espasmo involuntário tentando desviar de algo atirado direto em "sua" direção? Foi pensando na tecnologia 3D para jogos eletrônicos que surge o Wiiculos, um óculos de dupla função: visualizar as imagens tridimensionais e também ser, ele próprio, um joystick de sensor de movimento corporal complementar. Enquanto usa-se os controles convencionais para os comandos gestuais, o Wiiculos adiciona curtos (e limitados) movimentos de ajuste visual, como aquela famosa pescoçada pra ver levemente sobre o objeto à sua frente. É o ajuste fino dos controles para 3D.
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Alderico Leão – Acho que não teremos um manche mais avançado. Acredito que uma tendência para os novos joysticks é seguir a linha da captura de movimento lançadas pelo Wiimote, Project Natal etc., mas não só isso. Deverão ser capazes também de estimular os sentidos dos usuários, numa ampliação e diversificação do já faz o force feedback. Imagino roupas ou acessórios que se firmem no corpo e que possam gerar sensações atenuadas de calor, frio, impacto, vibração, talvez até esforço físico. Não seria uma novidade, mas um aperfeiçoamento.
"Quem compraria um console cujo joystick fosse um apetrecho desses?" Não penso isso como o joystick oficial de um console, mas um acessório à parte, feito para incrementar a imersão em certos jogos. "E haveria mercado para um equipamento específico assim?" Se há para guitarras (Guitar Hero), baterias (Rock Band), tapetes de dança (Dance Dance Revolution), e suit para Wiimote em forma de sabre de luz, acredito que tenha sim. Aliás, esse papo de joystick exclusivo para um gênero de jogo é antigo. Qual terá sido o primeiro controle em forma de volante para jogos caseiros?
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Ila Fox – Nos últimos anos houve uma preocupação exagerada em deixar os jogos realistas demais, sem se preocupar com a jogabilidade. Hoje, percebo que a tendência é investirem na imersão e jogabilidade. Controles diferentes, mais focados em movimentos é o futuro. Não duvido que logo teremos jogos movidos à força da mente também.
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Alexo Maravalhas – Eu curto muito jogos de PC. Independentemente dos games, acho que o mouse teve uma enorme participação na "humanização" dos computadores. Seja pelo efeito gestual, pela ergonomia, agilidade ou precisão, ele veio para mostrar que os computadores não precisam ser tão binários. Mas às vezes o mouse é limitado. A minha futurologia sugere inicialmente dois mouses para melhorar a interação em um jogo: um em cada mão. Cada mouse pode corresponder a um braço de um personagem de primeira pessoa†, um jeito novo de interagir no ambiente. Dois mouses podem ter mil e uma utilidades, por exemplo, combinando comandos em jogos de pilotagem (corrida, vôo, espacial etc.), em jogos de plataforma (usando os mouses para movimentar, apontar, visualizar cenários etc.), enfim, dar maior amplitude a todo gênero.
Mas eu visualizo um outro aparato, parecido e talvez mais interessante. Trata-se de uma mesa sensível ao toque; aquelas tablets que já conhecemos, mas com multifunções, assim como uma Reactable em menor escala. Uma dessas funções será o uso da mão inteira para as interações. Imagine que você irá manter sua "mesa" ao lado do teclado, como fica seu mousepad e a utiliza com a mão, realizando toques com todos os dedos, combinações entre eles (movimentos, dedos unidos, gestos de comando etc.) e mesmo partes da mão ou a palma da mão inteira realizará ações distintas. Outras funções da mesa multiuso será o reconhecimento de objetos que toquem ou sejam colocados na sua superfície e não falo apenas da "velha" caneta, mas de qualquer forma para abrir o leque de possibilidades interativas. Óbvio que vale a ideia de duas mesas (ou de um mesão único) para aumentar a multiplicidade dos comandos – inclusive, neste caso, substituindo o teclado.
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Peterson Mayrinck – O futuro à mente pertence. Concordo que (não tão em breve) teremos o uso de tecnologias capazes de captar as nossas ondas cerebrais e transformá-las em comandos nos jogos. Mas enquanto isso não vem, a detecção de movimento – como no Wiimote, Natal e Move – me parece a onda da vez. Isso é óbvio. Então, o que eu imagino que possa acontecer é a mixagem com telas touchscreen. Por exemplo: por que não usar o seu mais novo celular "Sony Touch You" como controle do Playstation 3? Claro, esse celular não existe – mas, creio que seja possível algum que interaja com videogames.

1000 Game Heroes: heróis do futuro

2010-04-11T14:20:00.005-03:00

Postagem anterior: 1000 Game Heroes: humor

O quarto capítulo do livro 1000 Game Heroes – "Heróis do futuro" – tem breve introdução do editor David Choquet e cita, basicamente, o cyberpunk e de sua estranheza em se tratando de tantos títulos fazendo referência à ficção científica, mas tão poucos terem proximidades com o gênero.

Segundo Choquet, cyberpunk é "o ramo da literatura de ficção científica que se pode julgar mais próximo do entretenimento informático" e cita alguns títulos como Dreamweb, Blade Runner e Deus Ex. Para rápido entendimento, o gênero (subcultura etc.) se baseia em uma realidade "High tech, Low life", ou seja, um alto nível de tecnologia e, ao mesmo tempo (e/ou relacionado a isso), a baixa qualidade de vida, desordem social e a individualidade marginal. Também é notado a presença invasiva do aparato tecnológico ao corpo humano, como bem poderemos ver ilustrado, por exemplo, na série Matrix.

Em outras palavras, em uma menção autocríticas e cruel até, Bruce Sterling, em sua obra Cyberpunk nos Anos 90, define:

"Qualquer coisa que se possa fazer a um rato se pode fazer a um humano. E podemos fazer quase qualquer coisa aos ratos. É duro pensar nisto, mas é a verdade. Isto não mudará com nós cobrindo os olhos. Isto é cyberpunk."

O capítulo "Heroes of the Future", cyberpunk ou não, está ilustrado com arte visual dos seguintes games: Deus Ex, Empire Earth, Final Fantasy, Halo, Jet Set Radio, Mechwarrior, Outtrigger, Phantasy Star Online, Project Eden, Starcraft, Starlancer, Startopia, Unreal, Virtual On, Xenosaga e Zone of Enders.

Leia mais sobre o cyberpunk e os videogames no Wikipédia.

Remixanator

2010-04-01T17:17:00.006-03:00

Por mais de uma década a Overclocked Remix vem organizando, publicando, mantendo e divulgando material musical criativo de artistas e fãs que desejam homenagear as mais consagradas trilhas sonoras do mundo do videogame.

Mas a tecnologia está presente, a cada dia, inovando o cotidiano das pessoas e por que não, dos artistas também?

Para otimizar o processo de produção, seleção, julgamento, publicação e toda uma série de passos desgastantes, feitos por uma equipe dedicada, além de dispendiosos, enfim, A OC Remix está lançando um produto chamado Remixanator, um software inteligente – baseado na tecnologia Algorithmic Synthesis System – que pode ser o passo adiante no mundo criativo.

A engenharia, acredito uma versão beta, passível de inúmeras melhorias, permite que qualquer pessoa, sem mínimo de conhecimentos teóricos e/ou talento musical, crie seu remix, bastando para isso selecionar, inicialmente, uma das três músicas-base (Chrono Trigger, Final Fantasy ou Sonic), decidir por um dos quatro gêneros disponíveis e, por fim, ajustar efeitos e instrumentação para personalizar sua obra. O resultado é obtido no ato, sem delongas criativas, votações ou grandes custos de hospedagem.

A OCR também avisa que, pelo advento do lançamento da tecnologia Remix Game Music Online, a comunidade não mais estará aceitando envio de material artístico. Os futuros projetos, ou em andamento, também foram cancelados por motivos óbvios.

Experimente aqui o Remixanator.

Artigo discute mitos sobre a criação de música para videogames

2010-03-19T14:55:00.009-03:00

Publicamos no site da Benzaiten o artigo "Os três maiores mitos sobre produção de música para jogos", escrito por Marcelo Martins, fundador da produtora Clefbit.

O texto, como o próprio título adianta, estrutura seu pensamento em três grandes mitos da produção na área onde o autor, basicamente, aborda questões sobre método, profissionalismo e competência em se criar música para videogame; fala sobre sonoplastia e as possíveis relações (diferenças, na verdade) com composição; por fim, avalia como a música acrescenta valor estético e informacional a um jogo.

Leia o artigo: www.benzaiten.com.br/artigo/3mitos.htm

Bacon EP

2010-03-13T16:00:00.002-03:00

Hoje quero sugerir a vocês o disco Bacon EP, como o título já indica, um extended play disponibilizado agora pela banda The Smash Brothers (não confundir com a versão nacional Smash Bros.). Bacon EP originalmente é um disco físico, com 6 faixas nesta edição. A versão digital vem em 7 faixas, discorridas em 22', e o gênero é um temperado rock pesado, com eventuais toques suaves.

O disco começa bem. Começa com Gradius (registrado na capa como Life Force)! Aí já é golpe baixo (sou fã de Gradius)... A faixa Makes You Starowngahhhh começa relembrando sonoramente (com cordas sintéticas) o tema espacial, mas isso não tem 10 segundos e o rock – que é linha central do trabalho – entra energético e embalado. Chacoalhe o cabelo: a versão é muito bacana. Ótima pegada, a versão respeita o tema original, mas inclui momentos de solo de guitarra, pausa com super baixo crescente e, eventualmente rápidos lembretes em forma de strings que, acho, nem precisavam estar ali.

Com uma levada similar porém mais lenta, com uma temática mais pesada e com o aditivo do teclado na forma de órgão, temos versões de Actraiser e Castlevania no mix Actraiservania. Já a faixa 3 (Onett), Earthbound, é leve e descontraída, inclusive com a aparição de cordas acústicas, marcando a faixa mais longa do EP.

Shaking Hands with the Devil (U. N. Squadron) tem um ótimo início em clima de suspense. Trabalha com sintetizadores e que por vezes também faz solo contrapondo com a guitarra.

Temos outro tema "mamão com açúcar" em Final Fantasy, na faixa 5 FF1Town.WAV, numa releitura extremamente redonda e novamente com bons solos de guitarra. Contrasta com ela Missile Ride, na faixa 6, para homenagear Contra: mais nervosa e que usa novamente sintetizadores variados.

E finalizamos com a faixa bônus, que é uma brincadeira com o tema de Gradius e, infelizmente, pra mim, aparece como que cortada abruptamente ao final.

Os Smash Brothers são:

Prozax (Dan Orosz)
Merkizmo (Roy McClanahan)
Ailsean (Sean Stone)
Kunal (Kunal Majmudar)
Midee (Jason Zaffary)
Virt (Jake Kaufman)
Norg (George Nowik)

Baixe o Bacon EP no site da banda: www.thesmashbrothers.com

Metroid Metal

2010-02-28T11:30:00.001-03:00

É fã da série Metroid? Gosta de música de videogame ou curte um som mais pesado? Pois você deveria, então, conhecer o trabalho da Metroid Metal. A Metroid Metal (My Space) é uma banda australiana de rock pesado composta essencialmente por Grant "Stemage" Henry, com a participação eventual de artistas convidados, como Dan "Chunkstyle" Taylor no contrabaixo, em algumas faixas.

O material que a banda disponibiliza consiste nos álbuns Metroid (11 faixas em 29'), Super Metroid (seis faixas em 31') e Metroid Prime (quatro faixas em 19'), todos com ótimo acabamento e expressividade musical. O nome da banda, neste momento, não está limitando a sua atuação. Além de algumas faixas avulsas de outras versões do Metroid, é possível também conhecer releituras de Halo, Actraiser ou Teenage Mutant Ninja Turtles. Vale conferir e adicionar as músicas à sua coleção.

Sonhos Magnéticos: novo álbum de Doctor Dreams

2010-02-14T21:30:00.003-02:00

O artista Doctor Dreams lança em 2010 seu trabalho entitulado Sonhos Magnéticos (produção independente, aquisição gratuita, 5 faixas, 30'). Doctor Dreams é Ganesh Carpanezzi (1987), natural de São Paulo e morando atualmente em Curitiba, estudante de música (Produção Sonora) pela UFPR. Ganesh também estudou piano no conservatório de MPB de Curitiba e desde pequeno é um aficcionado por percussão, mantendo uma ampla coleção de instrumentos percussivos em casa.

Ganesh me contou que começou a compor em 2003, fazendo bases de rap para grupos do bairro, mas em 2004 iniciou as produções como Doctor Dreams, quando, em 2006, lançou seu primeiro trabalho concluído.

Ouvir Sonhos Magnéticos é como ser inserido em um quase-sonho eletrônico, pois buscamos, por empatia, tentar reconhecer uma série de sons utilizados – e nem sempre reconhecendo a origem, pode-se ter uma sensação de déjà vu. Aparentemente somos remetidos à várias referências, seja pela imagem da capa, pelo título, pelos ritmos, pelos samplers, enfim. Acontece uma grande mistura e esse caldo começa a ganhar unidade conforme você apreende o clima de cada faixa.

A Haunted House, que é a faixa com ritmo mais marcado, dançante até, faz uma referência explícita a um videogame e não se limita ao uso de samplers pois insere, ao final, um trecho da música Ghost House, de Super Mario Word!

O trabalho é minimalista e as faixas têm um andamento suave, crescente, embora existam momentos onde a percussão possa evoluir de tempo aumentando a dinâmica; isso é nítido em O Dia das Duas Luas. Doctor Dreams cita a técnica do glitch† que usa para compor pequenas arritmias e momentos que sugerem erros, imperfeições, e que reforçam o surrealismo do disco e, por que não, suas qualidades humanistas em meio ao universo eletrônico.

Logo abaixo temos texto do próprio artista sobre seu processo de criação, conceitos, referências e curiosidades e, por fim, o link para baixar o trabalho.

Influências:
Aural Planet, Hextatic, Urbit, Heyoka, Pantyraid, Steve Spacek, Eat Static
Discografia:
Sonhos Magnéticos (2010)
Pássaro-Raio (2009)
Elefante n° 2: O Desmonte (2008)
Xadrex - Colorido; Preto e Branco (álbum duplo, 2006)
Canais:
Myspace: www.myspace.com/doctordreams
Soundcloud: www.soundcloud.com/doctordreams
Facebook: Ganesh In Dreams
E-mail: gana@pop.com.br

Uma experimentação onírico-eletrônica
— Por Doctor Dreams
O projeto para trabalhar sob o nome artístico de Doctor Dreams existe desde 2004. Depois de mais ou menos um ano frequentando festas de música eletrônica, resolvi começar a compor.
Meu processo criativo se dá em partes. Primeiro separo os samples que vou utilizar. Tirando algumas melodias e linhas de baixo, toda a música é feita com samples que baixo da Internet ou que eu mesmo preparo (recorto de músicas, gravo, "ripo" etc.). Com os samples separados e devidamente trabalhados começo a criar. A influência maior é o glitch†: baterias que se deslocam, ritmos inusitados, dificuldade de definição de pulso, tudo isso tem a ver com glitch. Note que é mais o aspecto rítmico que se faz presente nessa influência.
Em questão tímbrica, o que prevalece é o chiptune†. Porém algo me incomodava sempre que escutava esse estilo: a música parecia agressiva demais aos ouvidos, áspera. Então tento trabalhar os timbres de forma a suavizá-los, sem que percam o brilho característico. Pode-se ver o meu trabalho como alguém que tenta fazer uma trilha sonora para games mais recentes.
Tive um Atari que, quando pequeno, "rachava" de jogar. Passei pelo Super Nintendo e depois Playstation. Hoje jogo muito Nintendo 64† e com a onda dos emuladores† para PC tudo ficou mais fácil. Tenho um joystick que uso nas performances musicais que faço ao vivo mas que também conecto no laptop nas horas vagas e passo horas jogando!
Mistura-se a tudo isso uma obsessão que tenho em repassar nas minhas músicas os sons que escuto nos meus sonhos. Desde pequeno tenho facilidade em lembrar dos sonhos e tento passar parte disso para as pessoas. Pequenos pads e synths crescentes com tons misteriosos tem servido bem para isso. Joga tudo numa vasilha, bate bem e está pronto!
A capa faz alusão ao ambiente onírico, surreal e psicodélico, três conceitos fortemente presentes nas minhas produções. Uma girafa como essa nunca será vista senão por alguém que transita por pelo menos um desses campos. No mais, a girafa é o único animal que não emite som nenhum, quando se pára pra pensar no som que ela emitiria, se pudesse, sempre vem à cabeça os barulhos mais inusitados.
Participou deste trabalho Rafael Fernandes Cavalcante (26, Itu, SP) – o Hibotic – produtor desde 1998. Além da composição conjunta da faixa que dá nome ao disco, ele contribui também com samples, loops, e o que é mais importante: idéias e opiniões sinceras! Estamos fazendo parcerias a quase um ano, já temos algumas faixas lançadas e pelo jeito teremos várias mais! Ele tem um dom com imagens também, sendo parte do seu trabalho audio-visual. Um toque que faz a diferença. Algumas coisas podem ser conferidas em: www.myspace.com/hibotic.

Sonhos Magnéticos
1. Super Bug 2000
2. O Dia Das Duas Luas
3. Sonhos Magnéticos (feat. Hibotic)
4. Haunted House
5. O Lado Sintético da Lua
Download: baixe aqui o álbum completo ou aqui (54 MB/Winzip).

Game Music Brasil

2010-01-25T00:09:00.009-02:00

Acontecerá entre os dias 26 e 31 de janeiro, dentro da programação do Campus Party 2010, o GMB – Game Music Brasil, evento dedicado aos artistas brasileiros do estilo.

O GMB é promovido pela mesma empresa responsável pelas turnês do Video Games Live no Brasil e será realizado no Palco Petrobras Game Music Brasil, no estande da Petrobras. E além da apresentação de artistas brasileiros, o evento contará com três dias de paletras com Tommy Tallarico.

Segue a relação de dias e horários dos artistas a se apresentarem. Lembrando que essa informação não é a oficial do site do evento, podendo sofrer alguma alteração.

Cronograma com artistas e atividades
26/01 - 14h - Pulselooper (SP)
26/01 - 18h - Game Boys (SP)
27/01 - 14h - Subway Sonicbeat (SP)
27/01 - 18h - Abreu Project (BH)
28/01 - dia todo - DJ Hero PS3
28/01 - 4h - Smash Bros (SP)
28/01 - 16h - Palestra Tommy Tallarico
28/01 - 18h - Game Boys (SP)
29/01 - dia todo - DJ Hero PS3
29/01 - 14h - Palestra Tommy Tallarico
29/01 - 18h - 8 Bit Instrumental (MG)
30/01 - dia todo - DJ Hero PS3
30/01 - 14h - Band GM (BSB)
30/01 - 16h - Palestra Tommy Tallarico
30/01 - 18h - Mega Driver (SP)
31/01 - Dia todo - DJ Hero PS3

Segundo o site oficial do evento, este será o primeiro grande encontro de bandas brasileiras dedicadas às músicas de videogame. Por enquanto nosso contato se restringiu a detalhes da participação da 8 Bit Instrumental no evento e por isso não sabemos se o GMB terá uma continuação, nem como ou onde, mas esperamos que em breve! Enquanto isso, estarei no evento durante o dia 29 de janeiro, junto com o pessoal do 8 Bit Instrumental.

Local:
Campus Party 2010
Centro de Exposições Imigrantes
Rodovia dos Imigrantes, Km 1,5
São Paulo/SP

Trilha sonora para mídia interativa: quais suas características?

2009-12-25T22:30:00.003-02:00

Quê diferenças existem entre uma trilha sonora para as mídias ditas convencionais e a mídia interativa, em especial para o videogame? Observamos o termo áudio interativo, que pode sugerir que a música seria modificável pela vontade do usuário. Temos também o pomposo "sound design", ao meu ver um termo equivocado, que quer dizer, na verdade, projeto ou engenharia de som, sonoplastia ou simplesmente música. O que é uma "trilha interativa", afinal?

Antes, vamos eliminar deste esboço os jogos experimentais, demos†, peças publicitárias on-line e alguns tipos de games musicais que eventualmente tenham em sua mecânica algum tipo de modificação efetiva no áudio. Eles são exceções. O que eu quero sugerir aqui é a reflexão sobre algumas características gerais da "trilha interativa" (um termo também confuso, concordo) em relação à outras mídias.

Se percorrermos uma série de álbuns com composições musicais para videogames atuais iremos notar que não é incomum registros de obras em múltiplos discos: álbuns duplos, triplos, quádruplos até. Esta observação, relativa à extensão do trabalho como um todo, não é igual no cinema, com um volume significativamente menor de minutos sonoros.

Temos aqui, então, uma primeira distinção: a quantidade. Falemos em termos gerais e grosseiros: uma obra cinematográfica média, exigiria, em uma situação forçada, duas horas contínuas de música. Além disso, as cenas pedem apenas trechos editados das faixas e mesmo muitas músicas originais† podem apenas ser apreciadas por completo nos CDs, exceto claro, nos filmes de musicais.

Já concluir linearmente um jogo eletrônico atual de forma "humanamente" convencional, considerando as dificuldades, a curiosidade de exploração, o cansaço e as interrupções etc., podemos facilmente superar a duração de um filme. Mesmo eliminando as repetições das músicas, justificaríamos o maior tempo linear das trilha para jogos.

O.k., as trilhas de jogos são obras potencialmente mais extensas. Mas o que mais diferencia uma trilha sonora quando executada em um produto dito não-linear, como são os produtos eletrônicos?

Primeiro, um parênteses. Mesmo que exista um discurso geral atribuindo a não-linearidade à produtos eletrônicos e interativos, essa característica pode ser, na verdade, meramente ilusória na produção e na prática. A não-linearidade, em sua definição extrema, nos traduz uma aleatoriedade tal que não é possível determinar qual será a sequência de eventos em uma jornada qualquer. Um ponto de partida pode ter destinos completamente diferentes se percorrida pelos caminhos não-lineares: para isso, múltiplas alternativas deveriam ser exponencialmente apresentada ao avatar, possibilitando um intrincado número de direções/conclusões.

A pura existência de um roteiro determina – com maior ou menor flexibilidade de variação – as linhas que os eventos devem percorrer. Seja por questões criativas, orçamentais e até de tecnologia, um jogo com um razoável leque de possibilidades decisórias tende a ser inviável. No âmbito produtivo, um formato minimamente próximo da não-linearidade pode ser considerado um dispêndio de energia, já que áreas/momentos/fases desenvolvidas simplesmente jamais serão apresentadas a determinado jogador, em uma partida.

O que acontece então, na prática, é apenas a ilusão de liberdade do avatar, quando o jogador está, na verdade, sendo conduzido a um percurso que afunila para destino(s) bem definido(s). E no final das contas, o roteiro de um jogo será, se observado com distanciamento, até bastante linear:

início;
desenvolvimento de fases;
áreas especiais;
finais de fases;
a evolução como prêmio e
final com eventuais variações.

Fechando esse parênteses, uma trilha sonora de videogame, então, deve também conter determinado grau de flexibilidade de execução.

No cinema – entenda como toda a gama de produções relativas: longa ou curta-metragem, documentário etc. – a trilha é pontuada com precisão, inclusive por vezes funcionando em sincronia com o ritmo visual. Na história do cinema, as antigas animações tinham na trilha o papel de "sonoplastia plástica", onde os instrumentos mimetizam as ações na tela ou reforçavam mensagens de forma explícita. Ou seja, há aqui o controle exato da aparição da trilha em relação a determinado momento da imagem. Na publicidade, personificada aqui nos comerciais multimídia, acontece o mesmo. É o ambiente controlado.

Mesmo em apresentações com certo grau de improviso, como o teatro, o circo, shows de ilusionismo ou nas diversas formas de performance artística, a trilha é inserida com razoável grau de controle, pois de antemão sabe-se quê acontecimentos virão e quando, permitindo tal planejamento. Nos videogames, no entanto, essa sincronia é menor, pois não se pode prever as decisões do jogador – exceto sinalizando quando elas já aconteceram. Mas não se pode pontuar sonoramente cada pequena modificação do avatar e "arriscado" é musicalizar um evento que pode nem acontecer!

Acontece então que os eventos importantes disparados como resultado direto ou indireto das ações do usuário serão fatores modificadores da trilha. A partir destes eventos, uma série de possibilidades envolvendo a música podem acontecer:

do silêncio, uma faixa pode ser iniciada;
uma faixa em execução pode sofrer algum tipo de modificação;
uma faixa pode entrar em execução no lugar da atual e
a música pode ser interrompida.

Uma situação de modificação é aquela onde a faixa atual é suspensa pela inserção de um símbolo sonoro†, e em seguida, volta a sua execução normal. É o típico caso, por exemplo, de quando o avatar adquire um elemento agregador importante, como uma chave ou um tesouro. Mas também a ausência destes eventos é um complicador para a "trilha interativa": na ausência de acontecimentos modificadores, encerrando-se uma faixa ela deve repetir-se (ou executar uma outra, de forma aleatória).

Porém, a qualidade de "trilha interativa" (estou sempre usando entre aspas até encontrar terminologia melhor) pode ficar mais evidente no caso de composições modulares. Explico: uma música modular pode conter áreas de loop em si mesma. Veja abaixo o exemplo de um algoritmo fictício da execução de uma música modular:

1. executar introdução geral – vai para 2.1;
2.1. executar introdução da parte A – vai para 2.2;
2.2. executar parte A – repete 2.2 até que aconteça o evento modificador 1;
acontecendo o evento modificador 1 – vai para 3.1;
3.1. executar introdução da parte B – vai para 3.2;
3.2. executar parte B – repete 3.2 até que aconteça o evento modificador 2;
acontecendo o evento modificador 2 – vai para 4;
4. executar final geral.

A música – que eu chamei de modular – torna viável o "áudio interativo", ou seja, uma composição maior, com momentos distintos mas com linguagem musical (harmonia, gênero, instrumentação etc.) integrada entre as conexões dos seus módulos, pode suprir com naturalidade vários momentos, ações, sinais etc. de um jogo (ou de um momento do jogo), pois transita com respeito técnico e estético entre suas partes, dando a impressão de que o jogador "personaliza" o andamento da música pela sua forma pessoal de atuar na história.

Em um filme, o compositor pode ser acionado para criar um tema específico e que servirá para ambientar um momento previamente determinado, inclusive cronometrado. Para os jogos eletrônicos – desconsiderando os momentos de animação passiva – o compositor precisa levar em consideração os fatores de ocorrência imprevisível misturando-se com a sua música.

É preciso não separar totalmente a composição musical da sonoplastia. Há casos onde a trilha sonora de gênero contemporâneo, ou onde a instrumentação seja tal, que confunde-se com efeito sonoro. Trilhas mais alternativas, com momentos destoantes ou sons disformes podem alarmar falsamente o jogador, gerando um ruído na comunicação sonora, trocadilho à parte. Há um cuidado extra, então, a respeito dos contrastes entre música original, música diagética†, símbolo sonoro, som ambiente, efeito sonoro etc.

Concluindo, além da questão da métrica entre as trilhas de mídias tradicionais em relação às eletrônicas, eu acredito que são as intervenções "externas" – os eventos modificadores da própria interatividade – que alteram a forma como as trilhas para games são feitas e consumidas. Se uma determinada faixa irá se repetir várias vezes, ela poderia não ter um início e fim tão marcados, mas fazê-los até em forma de loop, que se conectam entre si, ao repetir-se.

Nas mídias tradicionais, onde a sincronia de eventos é perfeitamente possível – seja partido da imagem pronta para o áudio, ou a partir do áudio pronto para a imagem – existe a possibilidade de um "investimento criativo" maior, já que, como mencionei, o ambiente é controlado. Momentos específicos da música podem ser criados para ilustrar cenas. Por exemplo, um personagem importante será morto em um futuro breve: a trilha pode previamente ir sinalizando sutilmente o perigo, crescendo em tensão, até o desfecho maior com o trágico fato consumado. Em uma ação interativa, o controle criativo, a qualidade estética do resultado, fogem do desejo preciso do autor e é esse grau de flexibilidade que acredito residir a base das diferenças da questão que coloquei no início deste artigo.

Essa diferença, que hoje pode ser considerada uma dificuldade ou uma limitação, pela falta de maturidade no domínio de expressividade na linguagem eletrônica-interativa – haja visto sua pouca idade – um dia ainda será uma grande vantagem em favor da criação artística, da fruição estética e também de imersão.

Swimming Under Clouds

2009-12-10T00:10:00.001-02:00

Lembram-se do Orioto? Autor de belíssimos desenhos retratando cenários de games clássicos da era 8 e 16 bits? Pois é! Agora ele é diretor de arte de um game!

O jogo em questão chama-se Swimming Under Clouds e é do estúdio Piece of Pie. A ideia do projeto é lançá-lo para Xbla e Wiiware até o meio do ano que vem. Confira o vídeo com um pequeno gameplay!

Bonito, né? Esperar o quê do autor desse desenho abaixo (o melhor, na minha opinião)?

Siren - Original Soundtrack

2009-12-05T12:08:00.034-02:00

Quando se fala em trilha para o gênero terror, a primeira referência que temos é Silent Hill. Nesta postagem, porém, quero citar um outro trabalho que é para Siren (ou Forbidden Siren), jogo de Playstation 2, desenvolvido pela Sony. O álbum (KDSD-00235, Team Entertainment Inc., 2008), com 30 faixas, soma uma hora de música e tem nos créditos composição e arranjo por Hitomi Shimizu, Gary Ashiya, Kimitaka Matsumae e Noriyuki Asakura.

E como fiz a referência inicial com Silent Hill, essencialmente a trilha de Siren difere daquele pelo uso de uma estética mais orgânica. Aqui não temos as instrumentações industriais tão marcadas, mas faixas de ambientação com bases um pouco mais clássicas, aprecendo uso de cordas, distorções de violino e coros com bastante reverberação.

A construção de uma trilha de terror comumente requer uso não convencional dos sons, de forma se chegar num resultado insperado, ou seja, a geração do elemento estranho. Em Silent Hill temos distorções eletrônicas e ruídos angustiantes e opressores. Em Siren eu acho que o elemento marcante e efetivamente perturbador – e também belo, no aspecto artístico – é o uso da voz. Esta característica é observada nua e crua no início imediato do álbum, com a canção Horatio - Hoshingoeika (1). Também aparece marcante nas Karuwari (6 e 14), Angel... (13), At the Eternal Interstice the Beginning and End Become One... (15), The Great Serpent... (16), I Congratulate You, For All Fortune is Yours (18) e Hoshingoeika (30).

Na demonstração abaixo selecionei trechos das faixas:

Horatio - Hoshingoeika (até 40")
Karuwari II (até 1'30")
The Great Serpent... (até 2'03")
Flames of Eternity... In Exchange For My Life... (até 2'35")
Mommy... (até 3'10")
The Buster! (até 3'58")
Hoshingoeika (até o final, 4'34")

Junf 2009: evento sobre a cultura japonesa

2009-11-10T21:04:00.005-02:00

O Junf – Japan Universal Fest é um evento voltado à cultura japonesa e acontece no próximo dia 22 de novembro, um domingão, em Niterói, com ingressos antecipados à R$ 8 e R$ 10 no dia. Veja os detalhes na divulgação feita no site da Benzaiten:

www.benzaiten.com.br/artigo/junf2009.htm

Splinter Cell - Chaos Theory - Soundtrack

2009-10-18T19:30:00.003-02:00

Álbum: Splinter Cell - Chaos Theory - Soundtrack
Composição e produção: Amon Tobin
Tempo: 10 faixas em 48'16"
Catálogo: ZENCD100
Publicado por: Ninja Tune (2005)

O que falar da trilha do terceiro Splinter Cell? Bem, Splinter Cell - Chaos Theory - Soundtrack é aquele "típico" trabalho que impressiona, envolve e mostra a sua qualidade desde o início da sua primeira faixa. Você notará o baixo ágil e saliente e uma percussão nervosa, ou seja, essencialmente drum 'n' bass†. A trilha como um todo puxa para o eletrônico, para o sintético, que na verdade é recheado de elementos orgânicos.

Quem assina a obra é o brasileiro Amon Adonai Santos de Araújo Tobin (1972), o Amon Tobin, que também é produtor. Para o trabalho, Amon contratou uma série de músicos, o que explica o sabor conseguido da mistura dos sons eletrônicos com a instrumentação real. Abaixo, os artistas e sua participação:

Amon Tobin: produção, arranjo e eletrônicos
Massimo Modugno: órgão Hammond
Umberto Modugno: Mellotron
Fausto Bava: bateria
Canhoto Philharmonic Orchestra: cordas
Giuseppe Guerra: bateria
Kawaguchiko National Junior Choir: vocais
Dominico Lenzi: pianos
Fabio Lenzi: guitarra
Eiji Myake: flauta
Salvatore "El Matador" Pennacchio: pandeiro e conselheiro espiritual
Alfonso "El Jeffe Fragante" Testi: regente
Juan Luis Verdi: percussão

A primeira faixa, The Lighthouse, começa denso e obscuro, que é logo quebrado pela energia do baixo e que também acaba fazendo a função de criar a melodia-tema. As cordas criam suspense tanto no uso dos sons graves e profundos quanto nos agudos em tremolo. Essa atmosfera sombria permeia todo o álbum e que, aliás, também está muito bem representado no desenho da capa: as três luzes verdes emblemáticas, que isoladas se tornam abstratas e beiram ao terror quando reforçadas pelo sangue escorrido. A percussão entra mais ao final da música e mostra a que veio: simplesmente espetacular e sempre cercada de um sem-número de efeitos, dos mais diversos, conseguidos por instrumentos ou sintéticos, criando ao mesmo tempo tensão, ritmo e energia.

Ruthless também inicia densa e segue com ritmos mais ordenados, um baixo contínuo e incisivo e novamente percussão em solos arrebatadores. Ruthless ganha uma releitura mais comedida na faixa 7: Ruthless (Reprise). Em mais um suspense, Theme From Battery, dessa vez industrial, um tanto sinistra e abusando do caldo de efeitos sonoros. A faixa 4, Kokubo Sosho Stealth, também com toques industriais é similar, mas pontua uma percussão quase militaresca – mas muito característico do jungle – somente em alguns momentos.

El Cargo (faixa 5) entra solando com uma guitarra peculiar, avança para ritmo mediano e é encorpada após os 2'40". A faixa 6, Displaced, cria um fraseamento incrível de instrumentos de corda, minimalistas, envolvidos com efeitos crescentes e ritmados. Arrisco a dizer que usaram um berimbau aqui.

Kokubo Sosho Battle, na faixa 8, é mais caótica e os ritmos são mais picotados. Seguida pela Hokkaido, que é "apenas" obscura até a metade, mas também cresce em ritmo e volume, pontuando misteriosas cordas graves no final. E fechamos com The Clean Up, a mais longa, com 7' de duração, que segue quase dois minutos de puro suspense (e que me fazem lembrar um pouco a trilha de Silent Hill) mas que, como todas, cresce com a entrada da percussão, muitos efeitos envolventes e pinceladas marcantes de flauta.

Uma trilha com muita maturidade, edição e acabamento fantásticos, sonoridade rica em detalhes, sofisticada, envolvente e empolgante, Amon Tobin e seus músicos realizaram aqui um espetacular trabalho para a Ubisoft. O CD também ganhou uma versão no formato 5.1 o que me deixa muito curioso em ver como ficou a obra numa ambientação tridimensional!

No tocador acima, você pode ouvir uma demonstração com trechos das faixas The Lighthouse (até 0'50"), Ruthless (até 1'40") e Kokubo Sosho Stealth (até 3'17"), e abaixo a lista das músicas do álbum.

01. The Lighthouse
02. Ruthless
03. Theme from Battery
04. Kokubo Sosho Stealth
05. El Cargo
06. Displaced
07. Ruthless (Reprise)
08. Kokubo Sosho Battle
09. Hokkaido
10. The Clean Up

Matéria "Arte dentro da arte" com repaginação do site de brinde

2009-10-14T03:50:00.002-03:00

Recentemente fui contatado pelo Peterson Uchoa Mayrinck – estudante de Jornalismo da Universidade Federal de Pernambuco – para colaborar (como personagem) em uma matéria de cunho acadêmico sobre as artes aplicadas aos videogames, mais especificamente sobre trilha sonora. Batemos um papo, trocamos algumas ideias, respondi algumas perguntas e o texto ficou pronto. Participaram também Evandro Natividade, Cláudio Lins e Flávia Amorim e, como o assunto aqui nos interessa, propus que publicássemos o texto na Benzaiten.

Ah, aproveitei para dar uma "repaginada" no projeto gráfico do site e, apesar de faltar algumas lacunas pra preencher e alguns detalhes pra melhorar, acho que está razoavelmente funcional. Qualquer problema, aguarde refinamentos ou me avise aqui nos comentários. Segue abaixo o link para o texto do Peterson.

Matéria: "Arte dentro da arte"

Moacyr Alves no Scrap MTV

2009-09-25T02:00:00.002-03:00

Na mídia – de novo! – nosso caro Moacyr Alves, dessa vez pelo Scrap, programa da MTV que trata de comportamento virtual, cultura pop, cabelos coloridos e tecnologia. O Scrap MTV é apresentado pela Mariana "Marimoon" Lima, mas quem visitou o Moa foi a Flávia Gasi, que também escreve no Game Blog da mesma emissora. A entrevista foi sobre coleções de videogame e teve a participação de Luiz Ferrarezi, também colecionador de consoles.

E Arena Games entrevista Benzaiten para a série Blogando o Brasil dos Games

2009-09-18T18:30:00.002-03:00

O portal E Arena Games tem pouco tempo de vida mas já acumula iniciativas significativas, seja na produção de conteúdo para o site, cobrindo eventos ou participando da coordenação de outros, mas também com a proposta de manter atenção especial ao que acontece na área de entretenimento eletrônico e tecnologia no Brasil, valorizando assim a produção e as iniciativas locais.

Dentro desta proposta, surgiu a série Blogando o Brasil dos Games, que vem realizando entrevistas com os principais geradores de conteúdos nacional em formato de blog. Recentemente a Benzaiten foi contatada pelo Márcio Filho, editor executivo do EAG, para uma conversa. Em se tratando de um grupo de amigos que somos, propus uma coletiva, e nesta participaram eu e meus dois colegas colunistas, o André Luiz Oliveira e o Osni "Juunin" Andrade.

Falamos de arte, cultura, produção nacional e preconceito nos games e vivências pessoais. A entrevista foi publicada hoje e pode ser acessada no link abaixo. Reforço agradecimento aos colegas que participaram da entrevista com seus pontos de vista e experiências, enriquecendo em muito o conteúdo. Agradeço também a todos os outros integrantes da Benzaiten, presente nos bastidores do grupo.

Entrevista da Benzaiten para o "Blogando o Brasil dos Games"

Camarada Mario

2009-09-15T14:00:00.000-03:00

E se, assim como Tetris, nosso amigo Super Mario tivesse sido criado na antiga União Soviética? Teríamos o "Super Camarada Mario"? Nessa incrível animação podemos ver como ficaria uma personificação comunista do encanador mais famoso da Nintendo.

Atente para a violência do vídeo e não chame seus filhos para assistir.

VGDJ retoma suas atividades

2009-09-12T14:43:00.005-03:00

E depois de dois longos anos – que aparentemente se tornariam uma eternidade – volta às atividades o VGDJ, o podcast da comunidade Overclocked Remix!

Criado em 2005, o VGDJ esteve ativo por dois anos fazendo divertidos programas e falando do cenário da música para videogames e também do vasto universo da OCR. Em 2007 a equipe resolveu interromper suas produções, mas o show está no ar novamente com a casadinha (agora literamente) de apresentadores Zircon e Pixietrix e o novo integrante Brushfire.

O programa de número 68, "The Next Generation", com mais de 40 minutos, já está disponível e reinaugura os trabalhos.

Roids for Droids

2009-09-07T16:22:00.018-03:00

Não se deixe levar pela capa zoada do álbum Roids for Droids (CCN003/2008). Em sua primeira coletânea, o artista Small Child David mandou muito bem. O trabalho, com 13 faixas e 48' distribuídos gratuitamente pela Concatenation Records (117 MB), contém remasterizações de várias faixas que participaram de concursos do Original Music Competition. São composições originais como Boring Housewives e Ivan is Here, mas também quatro arranjos homenageando Adventure Island, Yie Ar Kung Fu, Star Fox e Excite Bike.

O caráter de coletânea fica nítido pelos multitons que o artista experimenta, sempre com muita personalidade e ótimo acabamento. Veremos peças ritmadas e envolventes como Boring Housewives, sóbrias e dançantes como Hiya Hiya RMX, industriais e minimalistas como Push Those Blocks. Também teremos a faixa experimental Softer, Worse, Slower, Weaker, sombria como a Dark Ambient Excitebike (que encerra o álbum) e a melancólica e urbana Ivan is Here, que mais parece um dia chuvoso de 7 de Setembro.

Seja qual for o clima, o artista opta predominantemente pela linguagem eletrônica. O chiptune† – como referência ao universo do maquinário de 8 bits – pode ser notado em todo o álbum, mas explicitamente em The Ultra Super Nothing Ours Yie Ar Fung Fu Remix, que chega a fazer marcações de game over† durante a música.

Abaixo, título de todas as faixas e link para informações originais e download.

Roids for Droids
01. Boring Housewives
02. Ivan is Here
03. Drekinn (Nitro Tech)
04. Hardcore UK Raver
05. Not Hiding Anymore
06. Push Those Blocks
07. The Sun Also Shines On Dead Dogs
08. Softer, Worse, Slower, Weaker
09. Too Hot (Midnight Brown RMX)
10. Hiya Hiya RMX
11. The Ultra Super Nothing Ours Yie Ar Fung Fu Remix
12. For the Feeble of Corneria
13. Dark Ambient Excitebike

Futurólogos: cenários

2009-09-05T15:30:00.003-03:00

Vários dos Benzaitens têm o dom da premonição. Bom, mais ou menos, né? Às vezes enxergamos um futuro possível, viável, coerente; mas muitas vezes, um futuro incerto mesmo, afinal nem Nostradamus foi 100%. Alguns têm bola de cristal, outros jogam tarô, outros têm a visão do terceiro olho (às vezes precisando até de óculos de três lentes), mas o fato é que todos nós sempre temos algumas ideias de como será, como poderia ser ou como gostaríamos que fosse, enfim – tanto tecnológico quanto artisticamente – o futuro dos videogames.

Em "Futurólogos" vamos arriscar alguns palpites para serem conferidos daqui poucos anos – ou mesmo deixados para que novas gerações leiam nas postagens mais caquéticas aqui do blog, confirmem ou zoem a nossa falsa clarividência. Mas tudo bem, não deixa de ser divertida a brincadeira de adivinhação e o exercício de criatividade.

Nesta postagem inaugural, o tema para nossos visionários é: "Cenários de videogames". Como será o seu aspecto visual, qual o conteúdo, qual sua função dentro do game, como afetam o jogador, quais suas interações, como é sua dinâmica? Com a palavra, nossos Benzaitens.

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Osni Jr. – Tamanho é o realismo de alguns jogos de hoje. Não consigo parar de pensar no momento em que iremos confundir realidade com games. Com a introdução de cenários e ambientes virtuais, e cada vez mais interativos, acredito que será obrigatório um tipo de "marca d'água" que indique se o jogador está no mundo real ou virtual. Algo como uma som discreto e contínuo, ou algo mais explícito como um céu com coloração diferente.
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Ila Fox – Acho que todo mundo já sonhou com o dia em que a geração Atari poderá finalmente jogar imersos dentro de cenários virtuais como nos filmes A Cobaia (The Lawnmower Man) e Matrix. Porém minha criatividade não dá conta de imaginar como isso poderia acontecer. Um capacete à la Virtua Boy me parece um tanto démodé para os dias de hoje. Então como isso seria possível? Talvez instalando algum sensor que enviará informações diretamente ao nosso cérebro, enganando-o e fazendo-o pensar que realmente se encontra dentro de algum outro mundo real.
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Alexo Maravalhas – No futuro teremos um sistema aperfeiçoado de monitoramento do planeta Terra que consiste da mistura de leituras feitas por satélites e outros sensores interconectados que completam esta "radiografia" global. Esses dados não se limitarão a imagens fotográficas de alta resolução, mas também leituras das mais diversas, gerando um diversificado sistema de apontamentos sobre o que está acontecendo tanto na superfície quanto sob ela, em tempo real. Assim, como acontece hoje no Google Maps/Earth, teremos à disposição um base de dados que permitirá gerar cenários baseados em informações reais. O clima de uma região acontecerá dentro do game; o horário muda a iluminação geral; a topografia é usada como cenário-base para os jogos serem construídos; as edificações urbanas e as intervenções rurais estarão lá; dados fixos (vias, praças etc.) e dinâmicos de tráfego (acidentes, engarrafamentos etc.) são usados; o tipo e o estado atual da vegetação de um local serão notados, enfim. Assim, o jogo está sempre lendo este banco de dados e mostrando elementos que mimetizam o mundo real.
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André Luiz Oliveira – O jogo apresentará apenas os personagens. Daí, um dispositivo lerá seu cérebro, criando o cenário com o qual o personagem vai interagir. O jogador, então, não jogará com o personagem, mas com o cenário, como em Loco Roco. Porém, o cenário pode se transformar num piscar de olhos (e isso já será uma medida para velocidade lenta). Basta o jogador lembrar que está jogando há 20 horas sem parar que o cenário vai se transformar num saudável pão com presunto fazendo o personagem interagir com ele. Dependendo do jogo só não rola lembrar de sua namorada/noiva/esposa: sabe-se lá que tipo de interação o personagem vai querer.
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Alexo Maravalhas – Alguns jogos vão permitir que o usuário decida sobre qual a estética do cenário quer jogar. Essa escolha será feita no início da carreira e assim vai até o fim. Como opções, teremos alguns estilos das artes plásticas como impressionismo (pincelado), minimalismo (quase um "visual 8 bits"), surrealismo (viajado), art noveau (floral), construtivista (geométrico) e por aí vai. O game em si não muda, apenas o seu aspecto geral, o clima, focado no cenário, mas que também pode afetar o estilo de outros elementos como a linguagem verbal, a tipografia ou a trilha sonora. Podia ter uma opção de marcar: "[x] Experiência lisérgica: ligada" pra dar uns efeitos em cima. E obviamente a opção "[x] Desligar artes plásticas" simplesmente mostraria o cenário natural, ou seja, fotorrealístico.
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Osni Jr. – Hoje já temos algumas poucas experiências com realidade aumentada, mas um dia poderemos usufruir completamente desse tipo de mídia. Andaremos pela rua com óculos especiais (ou um projetor holográfico flutuando do nosso lado) que criará ilusões baseadas nos cenários reais. Ia ficar parecido com aquelas propagandas psicodélicas de achocolatado que passam na televisão.
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Alexo Maravalhas – Nos jogos de guerra de primeira pessoa do futuro, todos os jogadores do mundo são conectados no mesmo serviço on-line. Então há um status global e tudo que for destruído no cenário – edificações, natureza, veículos, equipamento etc. – permanece assim pra sempre, pra todos os jogadores. Então resguardar um recurso será tão importante quanto destruir, de forma tornar a guerra "sustentável". Um verdadeiro Mad Max 3 dentro do jogo.

Homenagem dos fãs de Legend of Zelda

2009-08-25T13:00:00.004-03:00

Há algum tempo o site The Design Inspiration publicou uma coletânea de desenhos nada convencionais do querido encanador da Nintendo.

Dessa vez eles juntaram trabalhos de fãs sobre o universo de Legend of Zelda e o resultado ficou excepcional! Alguns desenhos são realmente dignos de imprimir e emoldurar para pôr na sala. Tem Link de tudo quanto é jeito: mangá, HQ, cubista, aquarela...

Você pode ver a galeria clicando no Link abaixo!

Borderlands e a mistura de gêneros

2009-08-07T17:20:00.005-03:00

Li no Go Luck, em postagem de Mauri Link, um pouco sobre o Borderlands, um jogo da Gearbox Software prometido para outubro, agora. Borderlands se propõe a ser um FPS† com elementos de RPG.

Mais do que consta no texto, porém, é o conteúdo do vídeo postado, que eu reinsiro abaixo. O trailer mostra um game de ação com o acúmulo de "experiência" – e de aperfeiçoamento – ao enfrentar inimigos, uma característica tradicional importada dos RPGs. É o que o trailer chama, comercialmente, de role playing shooter. Acrescentado a isso, a jogabilidade permite a interação cooperativa de até quatro personagens em grupo, ou melhor, classes, cada uma com suas peculiaridades (Soldier, Hunter e Siren).

Parte dessas características já foi incorporada antes, como por exemplo em Call of Duty 4 Modern Warfare (Infinity Ward) – game essencialmente de ação – que vai permitindo novos equipamentos ao jogador que acumula pontuação. É interessante notar a fusão de gêneros que no passado eram bem definidos. Apesar de sempre tender para um aspecto, um produto multifacetado pode tanto atrair apreciadores de outros gêneros como evoluir a experiência vivida dentro do seu universo, apresentando outras possibilidades e mecânicas.

Nesse sentido, o aspecto visual também colabora para uma leitura mais irrestrita: a animação dos personagens é humanizada, com movimentos suaves e realistas; ao mesmo tempo há uma forte conotação cartunesca, seja no exagero de partes dos corpos, da existência das criaturas fantasiosas ou situações surreais, seja no estilo gráfico, com cores contrastantes e bordas salientes, assim como um HQ† animado.

Curtas OC Remix

2009-08-01T18:00:00.003-03:00

Segue nova leva de sugestões de algumas novas músicas da Overclocked Remix.

Chrono Trigger - Corridor of Time [Time Warp Mix] (Samuel Day): um drum and bass do clássico Chrono Trigger. A batida é valorizada e a melodia é posta em menor evidência, utilizando poucos elementos mas que, rapidamente, remetem ao tema original.
Civilization IV - Destined for Greatness (Jeremy Waters, Brad Burr): a emotiva melodia de Baba Yetu, tema de Civilization, que começa singela na flauta, vai para o belo canto e passa para o sintético com fortes guitarras e percussão ao final.
Doom II - Icon of Sinwave (Jimmy Hinson, Chris Serani): a música da última fase (Opening to Hell), basicamente usa poucas notas agudas e um clima de minimalismo, estranheza e suspense, não dá muita margem para uma releitura com melodia trabalhada. Seja como for, os autores conseguiram um remix interessante, com mais de seis minutos. Inicia, de cara, com suspense e samples horrendos e é marcada essencialmente pelas mesmas notas agudas da original. Vale ver o recheio dado ao tema, inclusive dividindo palco com alguns efeitos direto do jogo.
Doom - Asphyxiated Soul (Jesse Higginson): "alma asfixiada", Doom e heavy metal. O que mais preciso dizer? O autor consegue um remix, em princípio, extremamente intimista e hipnótico, em especial a parte do canto, com direito a contrastes de voz do tipo suspiro/gutural. Mas também com seus momentos de metal mais tradicionais, ritmados pra balançar o cabelo, com suas guitarras e percussão. Chamo atenção para canto "Daemoni/Dominusem", em 2' 36"!
Final Fantasy 6 - Magicite Made My Mind Melt (Mattias Häggström Gerdt): inclui esta faixa porque achei interessante os vários momentos que ela apresenta, para um tema de FF. O início, ruidoso, quase um chiptune†, fica leve e infantil, "canta" uma melodia em um som espacial, flutuante, segue com um momento mais industrial e volta a ser alegre e dançante no final.
Final Fantasy VII - The Shinra Shuffle (The Runaway Five: Brendan McElroy, Brendan Swanson, Brent Mah, Spencer Cheyne): ah, se todos os remixes fossem assim! Um envolvente jazz, naturalmente com direito a vários improvisos nos metais, somando seis minutos e meio, executado pela ótima The Runaway Five. À certa altura, você estará ao "lado da banda" e vai se esquecer que está ouvindo um Final Fantasy, com todo devido respeito ao produto.
Final Fantasy 9 - The Rose General (Kate Covington): estrelando nesta versão celta de FF, com louvor, Kate Covington! Autora solitária deste remix, fez a letra, executou a instrumentação (harpa, guitarra e percussão) como, claro, é dona do lindo vocal. Uma diva.
Mega Man 2 - The Wily Malfunction (Christopher Lee Getman): e saímos do lírico para vir para o alternativo. Não, sua Internet não está com sujeira na conexão e nem o áudio está com defeito, muito embora o desavisado – no início desta releitura – queira reiniciar seu player ou conferir os cabos do autofalante por garantia. Droga, pulou o disco no final também! Mas o legal é que no meio dessa experimentação toda, tem um remix bem editado, com um som bem marcado.
Tales of Symphonia: Dawn of the New World - Go the Distance (Juan P. Medrano): um rock muito bem acabado, de som nítido e objetivo, que usa ora sintetizador, ora perfeitas guitarras para as frases. Muito energético.
Top Gear 2 - Dance Nation (Jordan Aguirre): um trance remix dançante e empolgante. Digna de qualquer baladinha, anima até aquele melancólico dia chuvoso de segunda. Marcadíssima desde o primeira batida, recheada com os famosos momentos que o gênero oferece (crescentes, ápices, paradinhas, sampler repetido de vocal etc.), esta é imperdível para quem curte eletrônica. E nessa onda, eu incluo abaixo o mesmo vídeo sugerido na resenha da Overclocked, mostrando o autor (Blind, nome artístico) discotecando na Magfest.

Veja as sugestões da postagem anterior.

Game Music Demo Reel - Seleção Eruditas

2009-07-21T01:20:00.002-03:00

Mais um GMDR, sempre com o intuito de apresentar e homenagear algumas obras – neste caso, de música erudita† – de trilhas compostas para videogames.

Trilhas espetaculares do gênero escolhido para este demo reel não faltam. Fácil, fácil dá pra se perder com tanto material excelente, mas as limitações principalmente técnicas me forçam selecionar poucas. Procurei não ser muito óbvio (ou até repetitivo para alguns) incluindo temas já consagrados, então de forma alguma esta é alguma tentativa de top 10. É apenas uma amostragem, de escolha um tanto aleatório, haja visto quantidade de opções.

Ah, também procurei selecionar trilhas originais dos jogos, então o material arranjado (ou de shows etc.) ficou de fora. Não vou citar os títulos aqui explicitamente, mas quem precisar saber, estarão registrados lá na descrição do You Tube.

Os sósias do mundo dos games

2009-07-16T20:00:00.001-03:00

Até que ponto os artistas que trabalham na indústria dos games são 100% originais? Até onde pessoas e atores reais influenciam no desenvolvimento de um personagem de videogame? A resposta é simples: até o ponto do CTRL+C e CTRL+V!

O site Videogame Lookalikes mantém uma extensa lista de personagens de videogames que são muito parecidos com pessoas da vida real e vice-versa. A lista conta até mesmo com pessoas que trabalham nessa indústria e são quase sósias de personalidades do cinema, como no hilário caso de Shigeru Miyamoto e Austin Powers.

Em algumas fotos podemos ver que a imagem foi literalmente copiada e desenhada por cima, como no caso de Jean Claude Van-Damme e Sean Connery. Alguns são mais recorrentes que outros até chegar ao maioral David Bowie, que tem uma categoria só dele.

Divirta-se vendo as galerias do site e, se encontrar alguém do seu círculo social que se parece com o Mario ou o Kratos, manda pra lá e nos avise nos comentários!

Distant Worlds no Benaroya Hall

2009-07-14T14:07:00.005-03:00

Quero recomendar a postagem de Chibi Ma, do blog Game Music for All, um relato sobre algumas de suas emoções em um dos shows do Distant Worlds: Music from Final Fantasy.

O evento em questão aconteceu nesse 10 de julho passado, no Benaroya Hall, em Seattle (Washingtong, EUA) com a presença e participação do próprio Nobuo Uematsu.

Os temas normalmente executados no Distant Worlds, não necessariamente estes e nesta ordem: Aerith's Theme, Dear Friends, Don't Be Afraid, Fisherman's Horizon, Liberi Fatali, Love Grows, Main Theme, Medley de FF I, II e III, Memoro de la Stono - Distant World, One-Winged Angel, Opening - Bombing Mission, Opera Maria and Draco, Swing de Chocobo, Theme of Love, To Zanarkand e Vamo' Alla Flamenco.

Pôster com 12 anos de premiações da Aias

2009-07-02T15:52:00.011-03:00

A Aias, para quem não conhece – falei um pouco sobre ela em matéria do site da Benzaiten –, é a academia das artes e ciências interativas, uma organização que premia, inclusive, mas não unicamente, os melhores jogos eletrônicos do ano.

Durante os vários anos de premiação, é possível notar a evolução na estruturação das categorias, também necessários por conta dos avanços tecnológicos. E a premiação mais recente está com a seguinte estrutura (minha tradução simplificada): animação, direção de arte, engenharia visual, engenharia de jogabilidade, jogabilidade on-line, história original, história adaptada, trilha sonora original, trilha sonora, projeto de som, performance de personagem, design, direção, inovação, jogo familiar, estratégia/simulação, RPG, aventura, ação, massivo multijogador, esporte, corrida, luta, casual, portátil, celular, jogo de computador, jogo para console e jogo do ano em todos os quesitos.

E para homenagear os 12 anos de premiações da Aias, montei este pôster com a coletânea de todos os produtos premiados, em todas as categorias, desde 1998. Foi criado sobre o formato de papel A3, mas para leitura em tela, porém possível de ser impressa, inclusive maior, por conta da qualidade vetorial do PDF. Experimente.

Os títulos de cada ano são "clicáveis", levando para o conteúdo original da Aias. Mantive os termos originais para evitar qualquer desvio por meio de traduções particulares. Qualquer defeito, por favor me avisem.

Aias Winners Poster Digest 1998-2009 (PDF, 296 KB)

O design e a arte de "Street Fighter IV - Training Manual"

2009-06-14T14:30:00.006-03:00

Eu tinha guardado esse assunto já há algum tempo, quando o vi em uma postagem do Claudio Prandoni, do Hadouken. Como nosso objetivo não é noticioso, mas principalmente porque o trabalho é de excelência, reapresento aqui na "Benza", em outras palavras. Trata-se do Street Fighter IV - Training Manual, disponibilizado pela Capcom.

O livro é apresentada no formato 21 x 27 cm, com 22 páginas, e foi inicialmente distribuído restritamente a profissionais de comunicação, sendo posteriormente liberado uma versão eletrônica – em formato PDF – para download público no site da Capcom (link no final do texto). Como apenas tive acesso à versão eletrônica do material, infelizmente, não posso comentar a produção impressa, mas se porventura você tiver algum detalhe pra nos passar, deixe nos comentários.

Em linhas gerais, o trabalho de design e principalmente de ilustração é magnífico. A direção de arte deixa muito claro que a publicação deve ter uma linguagem visual fortemente dinâmica. Os logotipos do jogo, que constam já na primeira e segunda capa, nos preparam para todo esse movimento, determinando expressivamente essa linha visual.

A ilustração é o elemento chave na obra. E obviamente, a imagem da capa conta com a quantidade de energia visual compatível com todo o restante da diagramação. O traço é gestual, pincelados pontualmente com borrões que nos fazem percorrer o olhar a todo o momento. Repare a dinâmica de forças na composição da página, especificamente no confronto entre os dois personagens. Enquanto Ryu (de branco) está mais acima e inicia o combate com um ataque em princípio mais ativo, Ken (à direita) o enfrenta com o peso visual do vermelho, também sustentado pelas informações textuais em sua base, oferecendo essa sinergia que se alterna pela página.

A capa é um belo exemplo de composição dinamizada, mas como disse, ela apenas dá indícios das páginas que ainda virão. Neste Training Manual tudo está em movimento. Cada figura, cada elemento é composto ricamente, de forma que podemos apreciar uma página por muito tempo, em busca de todos os detalhes. Mesmo informação tradicionalmente rígidas como os boxes (caixas com dados objetivos) são formatados em busca de torná-lo mais sinuoso, fazendo uso de bordas e cores.

Mesmo sendo uma publicação predominantemente visual – principalmente no aspecto de proporcionar um vislumbre na composição das páginas – existe um conteúdo textual de volume mediano, o que poderia contrariar a ideia de algumas pessoas, ainda em se falando de, ao mesmo tempo, um livro técnico e de arte para um game de luta. Temos, após a introdução, uma entrevista com Seth Killian, "community manager" da Capcom, a apresentação dos modos de jogo, a história do Street Fighter, seguindo com as características de cada personagem, seus golpes e movimentos e, ao final, apresentação de alguns produtos relativos ao universo do game.

Esse volume de texto e de páginas, porém, não torna necessário um sistema mais detalhado de navegação – aqueles elementos de design que ajudam o leitor a se situar dentro da publicação – que consiste basicamente em um sumário e obviamente (discreta) numeração de páginas. No design de informação, existem apenas dois níveis de títulos e o bloco de texto corrido em si, além das tabelas de comandos, que ganham alguns ícones próprios para facilitar seu entendimento. Essa aparente simplicidade na organização do conteúdo textual colabora com a valorização efetiva da arte visual.

Os blocos de texto corrido foram inseridos cuidadosamente sobre áreas que, mesmo quando mixadas com ilustrações, estão bem contrastantes, afugentando o péssimo hábito de algumas publicações em sobrepor volumes maiores de texto sobre imagens, prejudicando sua leitura. Estes elementos de suporte às colunas de texto também foram ornadas com grafismos orgânicos.

Aliás, é muito bacana como todas as páginas e ilustrações se harmonizam à linguagem gráfica do todo, principalmente no tocante ao movimento das composições. Mesmo os títulos – aplicados em caixa alta na fonte Save By Zero – ganham dinâmica pelo uso de degradês simples. Sobre o projeto de design gráfico, criticaria a inexistência de um grid† de colunas de texto mais consistente e a escolha da fonte para o texto corrido, a já tão desgastada Arial.

Voltando às ilustrações, que realmente são o foco da publicação, elas foram compostas em muitas camadas nas páginas. Há uma série de sobreposições, algumas complicadas, que no final dão um resultado harmônico na página: as figuras, grafismos e texto dividem e dinamizam as páginas lindamente e eu destacaria o esforço em trazer o elemento orgânico por meio de vívidas pinceladas gestuais e que, afinal, faz toda correlação com o jogo.

A qualidade dos desenhos é a melhor possível, dentro deste estilo, e mais: a imprevisibilidade e até um certo tom caótico não se torna excessivo, tampouco soa desleixado. Há ali a difícil tarefa do artista em demonstrar um enorme despojamento em algumas pinceladas, sem que isso torne o resultado aleatório ou indefinido.

Infelizmente não encontrei nenhum crédito para nominar algum dos profissionais envolvidos. Novamente, ficam abertos os comentários para qualquer acréscimo. Segue mais algumas imagens que selecionei para miniaturas.

Seja você um jogador das antigas de Street Fighter – nem é meu caso! –, um curioso acerca dos jogos de luta – virtuais ou convencionais –, mas principalmente alguém que reconheça um ótimo trabalho de arte visual, com certeza vai apreciar cada página desta bela publicação que o mundo dos jogos eletrônicos nos presenteou.

Street Fighter IV - Training Manual (PDF/27 MB)

The Doom 2 - Variations: um tributo a Bobby Prince

2009-05-27T00:30:00.005-03:00

Variations é o título desta releitura de Doom II, criada pela "banda" Dimaension X para homenagear Bobby Prince, autor da composição da trilha original. O nome artístico de Dimaension X foi criado em 1991 e é formada pelo "one band man" Dave Lanciani (45 anos, Massachusets, EUA), artista instrumental, destacando-se na guitarra, baixo, percussão, teclados, além dos outros instrumentos sintéticos que programa, para atuar – segundo o próprio – nas mesclas de heavy metal, space rock e jazz-rock.

The Doom 2 - Variations foi finalizado em abril de 2009 e está apresentado em um álbum de 19 faixas, com duração de 1h16' e disponibilizado gratuitamente em 107 MB de arquivos MP3. Você pode acessar aqui a postagem oficial do blog do autor, onde terá acesso aos seus outros vários canais virtuais e também conhecer mais do seu trabalho em outros vários álbuns produzidos.

Falando um pouco sobre a "obra" original – Doom, um cult dos videogames – é um marco na indústria. Acredito que muito do seu mérito venha do inovador aspecto tridimensional do seu universo "concreto" (por vezes pseudotridimensional). E essa característica transpassa o tecnicismo para levar ao jogador uma sensação de estar inserido numa ambientação realista, multinivelar e cheia de possibilidades mecânicas. Por mais simplório que hoje consideremos o visual de Doom, a memória "presencial" de quem jogou efetivamente este produto é de uma arquitetura factível.

A trilha sonora original, no entanto, ao meu ver, sofreu um agravante de viabilidade técnica, e eu posso me incluir nessa experiência. Vejo que alguns apreciadores de games na época de Doom (e jogos subsequentes) o desdenharam por puramente falta de equipamento multimídia adequado. Na época em que o jogo aconteceu por aqui, os IBM-PCs eram computadores essencialmente voltados à práticas comerciais, tornando o jogo menos atrativo a quem se aventurasse nessa limitada configuração.

Assim, uma leva de usuários de PC conheceu um Doom "silencioso", sendo este um argumento possível para que a composição de Bobby Prince tenha sido eclipsada pela estética visual. A trilha sonora (assim como a sonoplastia), quando reproduzida em uma qualidade minimamente mediana, tem absoluto papel de ambientação dentro do jogo, seja criando tensão, energia ou suspense.

Por se tratar de uma trilha baseada no formato MIDI†, vejo hoje essa característica como uma aliada acerca da popularidade de Doom. Porque arquivos MIDI são extramamente pequenos, reproduzíveis facilmente em qualquer sistema – é um formato portável tanto entre plataformas de computador quanto equipamentos de áudio, enfim. Além disso, os arquivos MIDI levam consigo a partitura completa e digital da composição, o que tornar a obra musical muito convidativa à releitura, pelo menos no aspecto de edição de som.

O lado ruim de ter em "mãos" toda a notação eletrônica original é que, por questões práticas, falta de tempo ou mesmo limitações criativas, alguns artistas podem ser levados a produzir, eventualmente, um remix menos personalizado, mantendo as linhas-bases e se restringindo apenas a modificar o timbre de alguns instrumentos.

A respeito disso, Dave me disse que sempre gostou dessa trilha, e acredito que como também muitos de nós, fãs, sentia que as músicas MIDI eram sonoramente limitadas e foi essa a intenção principal: fazer a sua própria "variação" da música original.

E que eu gosto nesta releitura de Doom II é exatamente o que ela faz de diferente da trilha original. Além da maior densidade que Lanciani dá para o clima da obra – podemos notar esse peso já na primeira faixa – o artista mostra a que veio especialmente quando executa seus solos de guitarra! No início da segunda faixa (MAP02 The Healer Stalks), a guitarra aparece discreta, fazendo acompanhamento com os acordes do andamento, mas já trazendo muita organicidade e toques pessoais aqui ou lá, que irão aumentando de expressividade com o passar do tempo. Nos 3' desta, temos outro momento da música, quando podemos finalmente aprecisar todo o virtuosismo da improvisação.

Conforme comentei a respeito da edição do MIDI original, a métrica parece ser muito respeitosa quanto à trilha original, mas novamente a partir do primeiro minuto da faixa MAP03 Countdown to Death, o artista nos premia com um maravilhoso solo de guitarra progressiva, soando com longa reverberação, o que é uma bela viagem e que nos leva assim até o término.

A MAP04 original basicamente trata de ambientar um momento nervoso do jogo. A dinâmica da trilha de Doom é assim: eventualmente há momentos bem distintos, que pontuam funcionalmente as situações (mapas). Na releitura, MAP04 Between Levels, temos uma rica percussão em evidência, conduzida com um baixo poderoso e com eventuais toques de guitarra, que não se contém e aparece solando, completa, desde 1'57" até o final.

Essa faixa, por exemplo, demonstra bem sua expressividade nos dois únicos instrumentos reais tocados pelo artista neste remix: baixo e guitarra. Todo o resto são sons sintetizados, mas Lanciani conta que também gosta de usar uma bateria eletrônica (foto) para marcar os samplers da percussão.

E com essa descrição eu posso seguir com quase todo o álbum: a atmosfera, o acabamento, mas principalmente os fraseamentos improvisados de guitarra dão personalidade e qualidade ao trabalho. Vale citar a modéstia do artista, quando ele se autoavalia em seu blog: "some of the guitar solos may not be all that great", quando é exatamente essa atuação – seus solos – que considero o mais proeminente no trabalho (não conheço seus outros CDs).

No todo, o álbum me deixou com uma certa impressão descendente de qualidade e interesse. (E pode acontecer, não avaliei, que na tracklist† original do jogo aconteca o mesmo.) Gosto tanto mais das primeiras faixas quanto das finais. Nesse aspecto, quando se pega um carona literal nas faixas originais, pode cair no mesmo caminho, o que me faz pensar que o álbum poderia ser um pouco mais enxuto, selecionando as faixas onde o artista teria mais espaço para manifestar seu talento e personalidade, que no meu entender, tem de sobra.

A MAP18 Waiting for Romero to Play, seguindo raciocínio, é de um minimalismo fantástico, mas basicamente trata-se de um revestimento levemente diferente, quase intocada, da original, que leva praticamente todo o mérito. A notação das músicas, então, me soa bem bastante fiel à trilha original, e isso seria uma crítica minha, no sentido de que uma intervenção maior – embora mais arriscada – ganharia em inovação.

No entanto, o que Dimaension X acrescenta de valor musical à maioria das faixas chega tornar a obra muito marcante e, assim, revigorada. E, de certa forma, acho que já se tem previamente essa consciência; o remix não deveria se tratar de uma revolução total, haja visto o título, que tem um toque despretencioso: "variações".

Registro meus parabéns, meu convite a conhecerem o trabalho da Dimaension X – personificado no artista Dave Lanciani – e que venham outros trabalhos relacionado com jogos!

The Doom 2 - Variations - A Tribute to Bobby Prince
01. Inter & MAP01 Running From Evil
02. MAP02 The Healer Stalks
03. MAP03 Countdown to Death
04. MAP04 Between Levels
05. MAP05 Doom
06. MAP06 In the Dark
07. MAP07 Shawns Got the Shotgun
08. MAP08 The Dave D Taylor Blues
09. MAP09 Into Sandys City
10. MAP10 The Demon is Dead
11. MAP18 Waiting for Romero to Play
12. MAP20 Message of the Archvile
13. MAP23 Bye Bye American Pie
14. MAP25 Adrians Asleep
15. MAP28 Getting Too Tense
16. MAP30 Opening To Hell
17. MAP31 Evil Incarnate
18. MAP32 The Ultimate Challenge
19. Endgame

Blog Dimaension X Realm

Um vetorial de Afrika

2009-05-22T18:02:00.005-03:00

Redesenhei este vetorial homenageando a arte da capa de Afrika (Sony, Playstation 3). Pelo que li, o jogo trata fundamentalmente de fotojornalismo, ou seja, fotografia virtual. Alguém já experimentou pra nos contar a experiência?

Cena de um filme

2009-05-20T17:01:00.000-03:00

Rolou no fórum Game Artists uma competição um tanto excêntrica: os competidores deveriam recriar cenários famosos do cinema utilizando uma engine† gráfica de games, como a CryEngine e a Unreal. O resultado foi fantástico!

O vencedor foi uma reprodução extremamente fiel de um cenário do filme Blade Runner, feito pela equipe The Replicants, mas a votação foi acirrada. Em 2º e 3º lugar ficaram os cenários de Hook - A Volta do Capitão Gancho e X-Men 2, respectivamente. Confira os resultados!

8 Bit Jesus torna-se realidade

2009-05-16T21:50:00.006-03:00

Há alguns dias atrás, estava eu mergulhando fundo na Internet, procurando bons pixel-artists para criar um adesivo pro meu notebook quando me deparei com o ótimo Jude Buffum. Este artista profissional mantém em seu site várias ilustrações com temática 8 bits, além de vários outros trabalhos como design de embalagens e infográficos.

Os desenhos são ótimos, mas o que mais me surpreendeu foi uma enorme coincidência: há algum tempo falamos aqui sobre o álbum 8 Bit Jesus, com músicas de natal mescladas com temas clássicos dos videogames. Recentemente este álbum tomou forma real e começou a ser vendido por módicos US$ 15 no site de seu criador. Acontece que Jade Buffum foi o criador da caixa do CD e do encarte! Ficou um trabalho muito bom!

Se interessou pela forma real do álbum? Ajude o Doctor Octoroc aqui!

Curtas OC Remix

2009-05-15T16:20:00.006-03:00

Seguem indicações e comentários pessoais de algumas das recentes releituras da OC Remix. Desculpem o número reduzido de temas – há quem prefira qualidade (risos)... Mesmo assim, desejo bom proveito. Não aproveitando nada (música, pra você, é como pizza: se não é boa, engorda mesmo assim?), aguarde e some às próximas sugestões!

Castlevania 3 - Demon Seed/Corrupted Infatuation (Dain Olsen, Matthew Newman): remix industrial, ácida e obscura de Castlevania com canção de Dain Olsen. Não sei vocês, mas impossível pra mim não relembrar Doom. Se curtiu, neste endereço você tem acesso a alguns arquivos de trabalho e uma versão do áudio em Flac†.
Castlevania - Transylvanian Temptation (Elisabeth Pezouvanis, Jonas Kimbrell, Timo Hovinen, Christine Englund): versão metal – com direito a parte nervosa com gutural – pela banda Game Over, da faixa de título homônimo Vampire Killer. Como sempre, alguns acordes sintéticos que eu quase nunca simpatizo; fora isso, a música segue, em geral, muito orgânica, tradicional diria, seja na instrumentação ou mesmo na presença dos vocais bem trabalhados. Me batam, mas algumas passagens me fazem lembrar Iron!
Donkey Kong Country - Flying with the Funk (Brian Arnold): como fã da trilha do DKC, suas releituras sempre me interessam. Incluí esta não pela linha melódica, mas pela levada, pela edição e acabamento, pelo clima, pela percussão jungle e pelos momentos minimais que apenas remetem à OST†. De qualquer forma, particularmente eu prefiro as releituras de melodias mais nítidas, e isso apenas pra elogiar a composição da trilha original.
Final Fantasy 6 - City Corner Lullaby (Jared Ong): um delicado arranjo para piano da clássica Kids Run Through The City Corner.
Gradius 3 - Declaration of War (Andrew Luers, Simon Sternis): daí fica difícil. Outra obra que eu sou praticamente fã incondicional, Gradius. O.k., alguns fraseamentos no arranjo não ficaram lá tão redondos, estranhos às vezes até. Admito que gosto muito mais do início, até seus 20", e bem que ela poderia ter se desenvolvido assim até o fim... De qualquer forma, fica de sugestão para conhecerem.
Gun Smoke - Space Cowboy (Ilari Nieminen): abre parênteses para momento "memória rala": o início desta música me fez lembrar muito – em especial alguns samplers – de, se não me engano, uma demo† de Amiga. Fecha parênteses. Bom, este trabalho me chama atenção pela diversidade de formas. Alguns podem achar essa multiplicidade como uma característica negativa, mas repare seus vários momentos, no entanto, com uma unidade. Também achei interessante que o artista conseguiu fazer algumas referências sutis ao tema "space cowboy".
Jade Cocoon - Battle: Trials of a Cocoon Master (Mattias Häggström Gerdt): remix expressivo com uma batida hipnótica, muito marcada, envolvente e dançante. A melodia com instrumental étnico – da mesma forma, sempre proeminente – inicialmente é sutil e depois cresce, trazendo consigo outros sons exóticos, inclusive o eletrônico, que substitui a melodia principal no auge do volume (1' 40").
Mega Man 3 - Magnet Missles (Jon, Pete, Waleed Hawatky): a minha reação ouvindo essa música é o sorriso, e por conta da dupla trumpet e trombone e na vivacidade e organicidade que dão nos momentos em que aparecem. Os metais, ali, dão esse toque aveludado e fazem uma referência jazzística; os teclados (em pipe organ) dão o charme retrô e eles todos se contrastam com as guitarras. Bem interessante.
Portal Live from [Subject Hometown Here] (Gamer Symphony Orchestra): incrível, a primeira releitura via OC do hit Still Alive! Aviso, se você terminou Portal e ouviu a música no contexto do jogo (o melhor!) – ou não, como tantos outros curiosos – pode ter a mesma impressão de estranheza que eu! Porque a melodia original em si é singela, quase infantil, porém há nela uma mensagem de obscuridade doentia revelada em subjetividades da letra, mas principalmente na história do jogo. O remix, no entanto, tem um despojamento, uma permissão para o humor (com direito a risinhos da plateia!), um desprendimento em não querer ser fiel à OST. E criativo: a peça tem vários momentos, divertidos e inusitados. No aspecto técnico, no entanto, há alguns problemas interentes à gravações ao vivo (no evento Magfest), mas que apenas temperam a proposta! "Chu-pa-rú" foi ótima!
E termino com o vídeo abaixo que entrevista Greg Cox (maestro), Chris Apple e Justin Johnston (diretores) sobre a Gamer Symphony Orchestra.

Veja sugestões da postagem anterior.

Game aquarela

2009-05-10T20:10:00.003-03:00

Porque eu não tive essa ideia antes? Talvez por não saber pintar... ou usar Photoshop... ou nem mesmo saber desenhar. Mas poderia ter tido essa ideia!

O que o artista Orioto está fazendo no Devianart é de encher os olhos: dando ares de aquarela a cenários clássicos dos videogames!

A qualidade impressiona, tanto pela técnica quanto pelo conhecimento do autor de diversos games dos anos 80 e 90!

Na página do autor no Devianart constam muitas outras obras como Castlevania, Sonic e Metroid!

Entrevista coletiva com Moacyr Alves: viciados em videogame (2ª parte)

2009-05-05T20:00:00.004-03:00

Leia a primeira parte da entrevista.

Com a segunda parte da nosso entrevista com Moacyr Alves, continuamos tratando o tema de sua participação no programa Dia Dia (Band), "viciados em videogame". Além deste, também conversamos sobre a qualidade da mídia televisiva no Brasil, preconceito e desconhecimento sobre a área dos videogames e, claro, cultura e colecionismo de jogos eletrônicos.

Fernando Sálvio – Você acha que a TV trata o assunto dessa forma porque está incomodada em perder cada vez mais audiência e zumbis?

Moacyr Alves – Olha, acho que a TV ainda não está preocupada com isso, porém logo ela vai começar a se preocupar... E muito, porque o conteúdo da televisão é triste e cada vez mais o nível dos jovens está aumentando, então esses programas pobres vão se acabar e acho que o game vai tomar sim o espaço deles.
Tem uma frase que sempre uso para falar sobre a TV: “Coisas pequenas agradam mentes menores”. E acho que essa frase tem tudo a ver com a sua programação. Tudo está supérfluo demais. Poucos são os programas com qualidade, fora a questão do que é confiável do que se passa na telinha, porque há diversos comentários falando que existem programas que são pagos para falarem de certos produtos, ou até mesmo documentários "fabricados".
De uma coisa eu tenho certeza: os jornalistas têm um prazo tão curto para fazer as matérias, que dificilmente sairiam com um bom conteúdo. Todos os programas de TV que eu fui foram feitos às pressas e sem o menor critério. Logo, com tudo isso, eles vão sim perder espaço aos games, que podem trazer bem mais benefícios, além da atração que os jogos são em si.

Fernando – Você acha que o videogame pode trazer uma influência positiva na vida das pessoas, já que essas diminuirão o tempo de exposição passiva ao conteúdo duvidoso, medíocre e depressivo da TV?

Moacyr – Sem sombra de dúvida. Na palestra que fiz para a Microsoft, perguntei, em inglês, quantas pessoas sabiam o que eu estava falando e 95% delas levantou a mão. Depois perguntei, novamente em inglês, quantos lá sabiam a língua por causa dos games e novamente 95% deles levantaram a mão. Vimos aí um lado educativo que a TV, em geral, não tem a capacidade de fazer.
Mostrei inúmeras pesquisas feitas na área social, como coordenação motora, artes digitais e até mesmo moda, todos com influência direta dos games. Nos dias atuais encontramos um outro fator importantíssimo, que é a sociabilidade; os grupos de jogadores estão cada vez mais crescendo e ganhando espaço.
Algo interessante a se questionar: quantos grupos fortes temos em games? Nesse evento da Microsoft tinham pessoas de quase todos os estados do Brasil. Mas quantos grupos de adoradores de novelas você ouviu falar? Eu, pelo menos, nunca ouvi.

Fernando – A liberdade de escolha torna as pessoas melhores? Já que no videogame você não tem que esperar três minutos de comerciais mal feitos, apresentadores esdrúxulos e conteúdo focado no sensacionalismo, sexualidade machista e violência exacerbada?

Moacyr – Sempre achei que a liberdade de escolha é algo muito bom, desde que não afete negativamente seu próximo. Acho que não tem como se comparar games com programas de TV. Não tem como, o público-alvo, o conteúdo, tudo tem diferentes objetivos.
Como disse antes, na TV é tudo supérfluo, além do que, acho os programas muito tendenciosos. Agora, fazendo um paralelo interessante, uma vez assisti 45 minutos de um telejornal do Canadá. Nossa, que interessante! No jornal, praticamente se falava sobre pesquisas, avanços tecnológicos, entre outras coisas. Pronto: já vi que o nível dos telejornais de lá eram infinitamente melhores do que os programas brasileiros.
Aqui, se você sintoniza em alguns tipos de programa e só falta a tela espirrar sangue! Aqueles programas "especializados" em crimes e mortes que todos conhecem. Medíocre. Acho que aqui cabe aquele pensamento que diz que quando alguém está mal, essa pessoa gosta de ver semelhantes em igual ou pior situação que ela, para a mesma sentir certo alívio.
Prefiro que minha filha jogue dez horas de videogame ao ficar duas horas em frente a um programa de TV.

Roberta Fialho – Moacyr, você pensa no futuro da sua coleção? Que, por exemplo, ela possa se tornar um museu ou que você tenha de criar um espaço só pra ela?

Moacyr – Olha Roberta, essa é uma boa pergunta. Às vezes olho para minha coleção e penso: será que fiz certo em comprar tantos aparelhos? Será que isso me trouxe algo para me orgulhar no futuro? Infelizmente são poucas as pessoas como eu, você e o pessoal do grupo Benzaiten que dão valor a história dos produtos. E o mais interessante é que cada jogo, cada aparelho tem sua história interessante para contar. Imagina que na época do Atari, os jogos precisavam ser concebidos e funcionar com apenas 4 kB ao todo?
Pra mim, hoje, a minha coleção tem uma importância só: a realização pessoal. Ou seja, queria ter todos os aparelhos de games lançados. E tenho, porém já há algum tempo eu deixei de lado o colecionismo do modo que eu o tratava. Hoje compro um ou outro jogo e estou muito mais preocupado em deixar um legado cultural sobre ele e o que seu universo tem nos ensinado.
Um museu para o futuro? “Por que não?”, eu diria. Mas inicialmente acho um pouco difícil. Certa vez estive em uma palestra no Senac Lapa Tito, que foi inclusive onde nós nos conhecemos pessoalmente. E você também conheceu o José do Valle, curador do museu do computador. Você pôde presenciar a dificuldade que ele teve para criar o espaço; imagina mantê-lo. Eu penso nisso para um futuro, sim. Mas não tão próximo.

Roberta – Existe algum console ou jogo que você ainda não conseguiu, mas faz questão de ter em sua coleção? Pode dizer qual?

Moacyr – Bom, eu acho esse mundo do colecionismo de games incrível! Estou com 121 aparelhos, mais de 3 mil jogos e posso lhe falar: ainda falta muita coisa. Mas é humanamente impossível ter tudo. Então posso lhe responder da seguinte forma: sempre vai haver um console ou principalmente um jogo específico que eu não consegui adquirir. Quais? Nossa, são tantos (risos)!

Roberta – Quais são seus prediletos, os que te dão mais prazer em ter? Por exemplo, se você fosse fazer um catálogo da sua coleção, qual ilustraria a capa?

Moacyr – Meus prediletos são os japoneses e claro, em especial, o PC Engine, que era um aparelho de 8 bits que fazia milagres. Até hoje, os melhores RPGs, as melhores trilhas sonoras, ainda estão no PC Engine. Nessa época sim, os games eram tratados como arte. Hoje, poucos estúdios têm esse preceito e a maioria quer apenas ganhar dinheiro com jogos.
Outro muito bom, que sempre friso, é o X68000, um computador que tinha jogos magníficos e pasme, já tinha um monitor em 1985 com a resolução de 1024x1024 pixels! Uma obra de arte.

Roberta – Uma vez você me disse que essa experiência de jogador/colecionador era um fator sociabilizante para você (e para muitas outras pessoas). Gostaria que comentasse isso, que contrasta muito com as ideias de vício, de violência, de alienação, tratadas com excesso pela mídia.

Moacyr – O game é, de fato, uma poderosa máquina de sociabilização. E hoje, com os recursos de rede, sejam LANs (rede local), Internet (rede mundial) ou serviços como a Live, muito mais ainda. Todos os meus amigos vêm de games e todos eles têm um ótimo nível social. Me orgulho de estar nessa área e cada vez mais poder conhecer pessoas nela.
Eu praticamente conheço o Brasil todo. Já fui a praticamente todas as cidades do interior de São Paulo: Campinas, Conchal, Santa Bárbara do Oeste, Jaú, Brotas, Piracicaba, São José dos Campos, Quiririm, Taubaté, entre outras, e em todas tenho algum amigo ou conhecido que jogue. Eu já estive em Fortaleza, Rio de Janeiro, Minas Gerais, Santa Catarina, João Pessoa, Mato Grosso do Sul, Natal e lá fui ver amigos das áreas de jogos. Fui à Argentina há três meses encontrar vários amigos ligados aos videogames e em breve irei à Portugal visitar uma pessoa por causa de games.
Jogador antissocial? Deve existir, mais eu ainda não soube de nenhum. Mas creio que é essa pessoa que tem problemas e não são os jogos que causaram isso nela.
Violência? Nunca os jogos incitariam a violência. Como disse, a pessoa em si tem o instinto maldoso e muitas vezes esse instinto fica escondido; de uma hora para outra, explode. Veja "tiros em Columbine". Nessa hora a culpa é sempre de algo ou de alguém alheio, e nunca de quem fez o ato...
Tenho, na verdade, uma vida social até agitada demais (risos)! Todo final de semana tenho encontros, bate-papos, jogatinas e nunca vi ninguém se agredindo! Nunca saímos sem darmos boas risadas. Me orgulho de ser gamer e de poder conhecer todos vocês!

Entrevista coletiva com Moacyr Alves: viciados em videogame (1ª parte)

2009-05-02T14:30:00.004-03:00

Recentemente foi ao ar entrevista (acima) no programa Dia Dia (Band) e que teve como personagens nosso colega de grupo Moacyr Alves, colecionador de videogames – e já tarimbado em aparições na mídia – e o psiquiatra Aderbal Vieira Júnior, que integra o Programa de Orientação e Atendimento a Dependentes, pela Unifesp.

A força da pauta em questão foi "viciados em videogame", haja visto a especialidade (dependência não química) do segundo convidado, o dr. Aderbal. Infelizmente o vídeo que citamos não mostra o videoteipe apresentado antes da entrevista, mas ficou uma sensação de frustração pelo raso aproveitamento do assunto principalmente na figura do Moacyr, que teve uma participação extremamente curta, contrastando com o conteúdo que ele mesmo poderia ter contribuído com o assunto, de forma pragmática, diferentemente do doutor, embasando com a teoria.

Aproveitamos então esta temática, além das questões de bastidores da entrevista, para estender este e outros assuntos com o Moacyr, com a participação de vários colegas de grupo Benzaiten nesta coletiva.

Alexo Maravalhas – Moacyr, fale inicialmente sobre você, sobre seu hobby de colecionador, enfim, fique à vontade para se apresentar rapidamente aqui.

Moacyr Alves – Meu nome é Moacyr Alves Junior, tenho 37 anos, sou empresário, sou casado e tenho uma filha de quatro anos que não mora comigo, infelizmente. E também sou um apaixonado e aficcionado por videogames e jogos eletrônicos em geral. Começei a colecionar games há exatos cinco anos e meio atrás e o motivo: sempre gostei de jogos e sempre vou gostar, ou seja, simples assim!
Porém, para dizer mesmo como começei a gostar, o fato, em suma, se deu quando criança: eu ficava em casa, trancado praticamente o dia todo, porque meus pais não tinham condições de pagar alguém para ficar comigo e, em compensação, me deram um videogame para passar meu tempo... Bom, estou “passando o tempo” até hoje com isso e agradeço muito a meus pais por isso.
Acontece que há três anos eu estou levando o famigerado "joguinho" a um nível mais sério, porque nos dias de hoje o game não é apenas uma forma de entretenimento e sim uma verdadeira máquina de interação entre pessoas, fora também o fato de ser algo muito lucrativo.

Alexo – Eu fiquei com várias dúvidas, e acho que alguns colegas compartilham dessas questões, e que são a respeito dos bastidores do programa Dia Dia. Sabemos que você é sempre requisitado, seja para palestras, para matérias ou entrevistas. A minha sensação, quanto à matéria da Band, é de frustração, em especial na sua participação. Eu gostaria que você citasse outras entrevistas similares que você participou, que você tenha gostado muito de ter participado, comentasse como foram, mas fizesse uma comparação delas em relação a esta última.

Moacyr – Muito boa pergunta, amigo Alex. Vamos lá. O problema começa na televisão em si. O porquê é muito simples. Tudo nesse tipo de programa é superficial. Em quase 100% dos programas de televisão ou às vezes até mesmo em filmes, um assunto riquíssimo se torna superficial, levando em conta o que o canal quer mostrar para se formar uma opinião.
Vamos a um exemplo popular. O famoso Big Brother. Eu sou franco em dizer: detesto esse tipo de programa, não assisto e não faço questão. Mas o primeiro de todos eu cheguei a assistir quatro capítulos (da metade) do reality show e o que eu percebi claramente foi que as imagens eram manipuladas para favorecer ou desfavorecer os participantes. Bom, isso foi exatamente o que aconteceu comigo, nesse programa.
Mas aí digo a vocês porque aceitei fazer aquela matéria. Pensem comigo: se não fosse eu, uma pessoa esclarecida sobre o assunto, quem iria representar nossa sociedade “gamística”? Poderiam entrevistar um “zé-qualquer”, que repetisse o que eles queriam ouvir, que todo jogador é problemático. Então aceitei o convite de primeira e, de fato, vou aceitar várias vezes, porque assim contribuo com nossa sociedade sadia e a livro de pessoas de mentes pequenas, que não conseguem enxergar além da telinha da TV.
Aliás, isso me faz lembram um questionamento de professor de literatura do cursinho. Ele dizia:
“Engraçado. Todo mundo repete notícia ruim, toda hora. Muitas vezes mais de duas vezes, em vários canais, mas não vejo nenhum repórter vir aqui, fazer uma matéria com vocês que trabalham o dia todo e vem pra cá direto do serviço para ser alguém na vida...”
Comparando isso com o programam, seria mais ou menos assim: queriam falar mal do vício de se jogar videogames, mas não me perguntaram como me sentia dando palestras sobre o assunto, ou como isso me fez aprender línguas.
Nunca perguntariam pra você, Alex, o gosto musical que você adquiriu com os games, ou sobre as aulas de artes digitais que a nossa Benzaiten Roberta Fialho está tão entusiasmada em ministrar. Então chegamos a seguinte conclusão: coisas pequenas divertem mentes menores. O game de hoje me evolui, me socializa e me diverte; nunca serei como os que assistem esses programas para a massa, ou o famoso "Dê pão e circo ao povo, que do resto eu me encarrego"! Nós não somos e nem seremos essa imagem medíocre.
Engraçado é que, de todos os programas onde eu participei, me saí melhor justamente no primeiro. Mas também preste atenção para vermos a diferença. Quem estava presente? Roger Tavares, nosso doutorado em games; Kao Tokyo, nosso mestrado em mídias digitais; André Toledo, professor de publicidade e também especializado em games; eu, que vocês já conhecem; e um tal "viciado" em games.
O "viciado" não falou nem seis minutos em um programa de uma hora e meia, e durante essa hora demos um show. Pena não ter conseguido gravar aquele programa. Com certeza vocês teriam gostado muito dele. Voltando ao programa Dia Dia, como já disse em um texto meu, aquilo foi definitivamente uma derrota para a produção do programa que queria de fato passar uma imagem e uma vitória para os gamers!

Alexo – Eu fiquei particularmente incomodado com a câmera mostrando você ao fundo, enquanto o dr. Aderbal era questionado sobre os "doentes", como se você fosse um exemplo do caso, o que, na minha opinião não é. Uma pela tranquilidade que você demonstra ter com relação aos jogos eletrônicos e outra pela sociabilização sadia que vemos sempre acontecendo no meio.

Você ficar jogando enquanto o programa seguia foi previamente combinado? A escolha do gênero do jogo (tiro) foi sua ou já estava na pauta? Também notei que suas respostas foram curtas; você foi instruído a falar rapidamente, sentiu isso no momento, ou foi apenas sua experiência pessoal em entrevistas na TV?

Moacyr – Alex pense comigo: para um pessoal como nós, o que um programa como aquele tem a ensinar? Pra mim, foi justamente o quanto a televisão brasileira é medíocre.
E é sempre a mesma coisa: “Hoje morreram 500 pessoas em um acidente de trem. Todas elas foram queimadas vivas, agonizando, e tinha entre elas, 40 recém-nascidos, 20 mães grávidas e não sei quantos pais de família. Mas não saia da sala porque vamos ensinar agora como se faz uma torta de maçã maravilhosa!” Blá, que dureza! Isso é a banalização de tudo.
Que inveja que eu tenho do Canadá, nessa hora. Tentem ver um programa de noticiário canadense... Dá gosto, meus amigos. Por isso aquele país é considerado um dos melhores países no quesito padrão de vida: porque eles têm qualidade em tudo, e isso inclui a comunicação.
Como falei, eles tentaram mostrar uma imagem negativa e generalizada de um jogador de videogame... mas quem saiu com a imagem negativa, não fomos nós (eu e o Aderbal) e sim o programa.
Antes de entrar em cena, não me falaram nada. Só colocaram uma cadeira e um Playstation 3 (que eu levei). Nesse tipo de programa, tudo é improvisado e de última hora. Quando a Patrícia Maldonado me faz a primeira pergunta eu já pensei: “pronto, mais uma matéria superficial que vai jogar as mesmas perguntas de sempre, como a violência nos jogos e o problema social”. Aí como a Roberta Fialho comentou, fiquei com classe. E apenas me diverti um pouco jogando.
Agora, algo muito interessante e que ninguém viu, foi como os câmeras ficaram bobos olhando para o jogo (risos)! Toda hora um deles falava: “Meu Deus! Que imagem, que cenário maravilhoso! Olha só o nível de movimentação do jogo...” E isso porque eles não ouviram o som (mais risos).
Então te digo Alex, respondendo mesmo à sua pergunta: não, nada foi falado antes. Eu não sabia que iria ficar na cadeira jogando e afinal, não tem problema. Eu estava preparado para um nível de entrevista que o programa não soube aproveitar. Mas de qualquer forma saí feliz e posso dizer que já passei por absolutamente todos os canais de TV e perceber o quão triste eles são.

Osni Jr. – Você acha que ser um colecionador de games já classifica uma pessoa como viciado em videogame?

Moacyr – Nunca. Primeiramente porque existem vários tipos de colecionismo, como bem sabemos, porém, como o game tem um grande poder de interatividade com as pessoas, as torna obrigatoriamente mais motivadas a passar o tempo jogando.
Então vamos fazer uma comparação. Quando você está vendo um filme longo, mas bom, você não percebe o tempo passar. Com os games acontece a mesma coisa, porém cem vezes mais intenso, porque em um jogo você é o protagonista da história, ou seja, se você não se esforçar, nunca irá “salvar a princesa” e nunca saberá o final. Já em um filme, independentemente de qualquer coisa (a não ser que durma!), você saberá o que acontece no final.
Um viciado não está no controle, deixa de se socializar e isso praticamente não existe no mundo dos gamers, como mostra uma pesquisa feita pelo psicólogo Daniel Loton, onde vemos o jogador de videogame muito mais sociável que qualquer outra pessoa. Qualquer viciado por si só é um problemático, porque ele põe todo seu sentimento unicamente no vício, e esse raramente é o caso de um gamer.

Osni – Você planejou começar uma coleção ou simplesmente comprava por gosto e um dia percebeu que já estava colecionando?

Moacyr – Eu nunca me imaginei colecionando. Na verdade, um belo dia fui à casa de um colega que tinha vários aparelhos antigos e me senti bem naquele ambiente. Depois disso, resolvi colecionar games e aparelhos, mas como se tornou, de certa forma, fácil para se ter acesso aos itens que eu tanto gostava no passado, como jogos de MSX, pronto! Não parei mais e comprei tudo o que eu queria ter e não pude antes, por falta de condições financeiras que hoje eu tenho.

Leia a segunda parte da entrevista.

Apresentação da Gameboys: 8 de maio (SP)

2009-04-30T23:01:00.008-03:00

A leitora Talita manda avisar (nos comentários da postagem anterior) que vai ter apresentação da banda Gameboys semana que vem, dia 8 de maio (sexta), às 20 horas, no teatro da Fasm - Faculdade Santa Marcelina, São Paulo (SP). Custa um quilo de alimento.

A Gameboys segue os trilhos de outras bandas formadas no ambiente universitário e organizou-se em 2007 para se dedicar às composições de jogos.

Show da Gameboys
Entrada: 1kg de alimento
Teatro da Fasm, 8 de maio de 2009, 20 horas
Rua Dr. Emílio Ribas, 89 - Perdizes / São Paulo / SP
(11) 3824-5800 / fasm@fasm.edu.br

1ª Modos Eletrônicos

2009-04-27T13:37:00.007-03:00

A Estação Cabo Branco de Ciência, Cultura e Artes de João Pessoa (Paraíba) realizará de 25 de abril à 31 de maio a exposição 1ª Modos Eletrônicos que tem por objetivo "promover a difusão da expressão artística contemporânea, pensada a partir e para as novas tecnologias de informação e comunicação" pela visão e obras do artista paraibano Christus Nóbrega.

1ª Modos Eletrônicos
Local: Estação Cabo Branco - Ciência, Cultura e Artes/Parque Cabo Branco/Altiplano
Data: 25 de abril à 31 de maio de 2009
Visitação: terça à sexta (9h às 17h) e fim de semana e feriado (10h às 18h)
Fone: (83) 3214-8303
Mais informações: site da prefeitura de João Pessoa

Curtas OC Remix

2009-04-18T13:37:00.014-03:00

Segue nova leva de sugestões para algumas músicas da Overclocked Remix. Como sempre, são seleções e comentários puramente pessoais, portanto discorde ou sugira novas músicas da sua preferência, novas ou velhas. E como a OC lança músicas toda a semana, é claro que comentários para as recentes virão só em próxima postagem.

Adventures of Bayou Billy - El Lagarto (Janne Roivainen): um animado funk anos 70 que me fez lembrar a segunda fase do álbum do nosso excelente Cidade de Deus.
Bionic Commando - Armed and Dangerous (Vinnie Prabhu): super eletro, com muito gingado, de melodia simples mas mesmo por isso, grudenta e dançante. Como sempre, excelente acabamento.
Castlevania - Who's That Child (Cain McCormack, Simon Sternis): Castlevania (ou Vampire Killer, para os mais puristas), tem algumas das melodias mais remixadas pelos artistas do universo musical de jogos. Wicked Child é um desses títulos adorados e tema desse remix. Ele tem uma introdução de acordes sintéticos imitando orquestrações; não gosto muito, em geral de orquestrações sintetizadas, salvo algumas excessões. Mas logo em seguida entra guitarra e a música ganha sangue quente. Mas o mais bacana são os momentos diferentes. Seriam as quatro mãos trabalhando alternadamente aqui?
Chrono Trigger - Chrono Moonstone (LSD, Samuel Ascher-Weiss): embora o início, em um piano mais clássico, não tenha me agradado tanto, vale o jazz (teclado e percussão) que segue. Ah, "LSD" é nome da banda compostas por Lenwood Turner, Samuel Ascher-Weiss e Dustin Kaufman.
Donkey Kong Country 3 - Claustrophobia (Mattias Häggström Gerdt): mais uma eletrônica, dançante, viciante e "contente" remixagem para DKC.
Lufia - Flowers, Life and Memory (Dan Barnaba): este arranjo de 7' para orquestra, muito interessante e dinâmico, conta a história de três temas do Lufia.
Mario Kart 64 - Holiday Frappe (Brian Arnold): quando essa calorosa "banda" terminar de tocar, aplaudam, por favor!
Super Metroid - Jade Catacombs (Jordan Aguirre): mais um trance de Blind, voltando das catacumbas e homenagenado sua esposa, Jade, segundo o próprio comenta nos textos do trabalho.
Tales of Phantasia - Sweet Dreams (Anthony Lofton, David Hsu): esta faixa integra o projeto Summoning of Spirits. Ainda acho que a OC não devia misturar faixas que já estão nos projetos com os remix individuais do site. Eventualmente a gente acaba baixando duas vezes... Então se você já tem o álbum SoS, pule esta. Senão, baixe pra conferir esta faixa relaxante, à base de piano (David) e saxofone (Anthony).
Tales of Phantasia - The Unholy Wars (David Hsu, Juan P. Medrano): sobre o Summoning of Spirits, vale o já comentado na faixa anterior, mas não deu pra deixar de fora indicação desta faixa, já que estava na "mão". Engana o belo e melancólico piano do seu início, porque ela logo ganha peso com guitarras e levada moderna. Vale conhecer, mas de qualquer forma, não perca o projeto na íntegra!

Veja sugestões em postagem anterior

Novo Punch-Out!! para Wii: é terceira, mas por que não primeira?

2009-04-11T01:03:00.011-03:00

Divertidas as imagens cartunescas do novo Punch-Out!!, para Nintendo Wii†, ainda a ser lançado. Eu nunca gostei muito do particular personagem transparente, embora possa funcionar bem na partida em dupla, sem precisar dividir a tela. Ora, será que não ficaria bacana a mecânica de primeira pessoa† também para jogos de esporte? Pensa na imersão de estar no ringue, da dinâmica em desviar os golpes (ou não) com uma visão de câmera super ágil, ou mesmo de "beijar a lona" (literalmente, virtualmente)! É, depois que a gente viu a primeira pessoa intensa de Mirror's Edge, fica querendo um bis assim nos outros jogos também.

Músicos de jogos no Megazine

2009-04-09T14:30:00.006-03:00

O Benzaiten Raphael de Almeida Müller foi entrevistado pela Megazine, caderno de cultura do jornal O Globo, nesse 7 de abril. A matéria de Júlia Dias Carneiro, com registro fotográfico de Michel Filho – onde também o músico Fabrício Zuccherato foi personagem – falou da formação e investimento no trabalho de composição de músicas para videogames.

Também do mercado brasileiro de arte para jogos eletrônicos, que ainda engatinha no âmbito comercial e sobre a atual necessidade de expandir a atuação destes profissionais à produtoras internacionais. E sobre trilhas, ou mais especificamente sobre o reconhecimento de se produzir um bom trabalho, a jornalista também citou a Gang (Game Audio Network Guild) e o Video Games Live.

O Megazine também mantém um blog, com resumo dos trabalhos desenvolvidos no jornal impresso.

Resident Evil 5: preto no branco

2009-03-29T21:49:00.010-03:00

Assisti, de passagem, em um pequeno monitor em vitrine de loja de jogos, um vídeo de demonstração do Resident Evil 5 (Capcom, 2009). O vídeo não era muito longo e mostrava algumas cenas editadas da jogabilidade.

Vi "zumbis" em ambiente aberto, totalmente às claras, assustadoramente agressivos, ágeis e invasivos. Mesmo o jogo não sendo em primeira pessoa, os personagens inimigos ganharam uma animação de perspectiva e dinâmica impressionante. De um lado, temos inevitavelmente, os elementos cinematográficos. Mas de outro, na ação propriamente, há um clima tipo "rebelião civil", aquele tom descontrolado e irracional da massa.

Imaginei que parte da estética poderia ser algum efeito na edição, mas assistindo outros vídeos, notei que realmente existem aspectos visuais e de imersão muito vívidos e realistas, principalmente nos personagens.

Então. Alguém explica o quê torna o cenário visual de RE5 tão vívido? Existem jogos similares com essas qualidades e quais?

Para ilustrar, deixo um trailer mostrando essa ambientação que comentei e outras facetas do jogo.

Onlive pode quebrar paradigma no entretenimento interativo?

2009-03-26T21:58:00.006-03:00

Pauta interessante sugerida pelo Raphael Müller, nos bastidores do grupo. A rede Onlive – assunto que está pipocando nos sites de jogos e dando o que falar e questionar – surgiu com a proposta de ser uma rede de entretenimento com o processamento de dados virtual, ou seja, deixa de existir a figura do console de videogame e mesmo o computador perde função de CPU.

No conceito, todo o processamento seria realizado virtualmente nos servidores do serviço e o retorno da interatividade, no caso de um game em forma de imagem e o som, se daria concretamente para o usuário em forma de vídeo, algo como uma TV à cabo personalizada. Assim, teoricamente, qualquer equipamento seria um potencial videogame de qualidade máxima, pois ele nada mais é que um receptor de vídeo, como uma HDTV.

A estrutura para o usuário final seria feita em quatro pontos: (1) um pequeno controlador de rede, algo como um modem externo ou um roteador; (2) um controle tipo joystick, ou equipamento que o valha, que é responsável pelas interações do usuário; (3) um aparelho visualizador da interação: um monitor de computador, uma TV digital ou um celular etc. e (4) a assinatura da rede do serviço em si.

Como esta concepção realiza o processamento pesado dos jogos em máquinas virtualmente distantes, o serviço está sendo "vendido" para funcionar, por exemplo, em qualquer configuração de computador pessoal, até mesmo em uma televisão digital comum. E faz todo o sentido, já que estes equipamentos são meros terminais intermediários e receptores de áudio e vídeo (as imagens e sons do jogo previamente renderizadas virtualmente).

O serviço Onlive está há alguns anos sendo desenvolvido, mas somente há alguns dias está causando alvoroço na comunidade de usuários do entretenimento interativo, pois podemos estar assistindo a quebra de um paradigma não apenas no universo dos videogames, mas acredito que perfeitamente adaptável a uma série de outros serviços e até formas de interação eletrônica que nem conseguimos nitidamente conceber atualmente. Por exemplo, o universo das artes digitais poderia ser transposto para ser distribuído como um canal de TV interativo. Imagine aquelas instalações digitais interativas, demonstrações audiovisuais, videoarte e até mesmo filmes de animação com interatividade no nível individual seria possível.

Você é entusiasta ou cético?

Atualmente um jogo eletrônico é desenvolvido com base nas limitações tecnológicas do parque de consoles instalado mundialmente. Se um game hoje é designado para rodar em um Playstation 2, o desenvolvedor deve restringir seu poder criativo para se adaptar a este equipamento, hoje ultrapassado. Essa limitação deixa de existir! O usuário final tem acesso a um produto de sofisticação 100% compatível com a última tecnologia disponível no provedor, sem ter que se preocupar com upgrades em seu computador ou console caseiro.

Conceitualmente, a ideia soa efetivamente como o surgimento de uma nova era do entretenimento. Algo em menor escala vem empurrando a história dos jogos eletrônicos para o futuro, como as redes on-line de videogames e mesmo o console que não usa mais mídia, mas baixa o software via rede. No entanto, acerca de todas essas possibilidades, podemos notar duas vertentes de opiniões: uma, que vê a proposta como genial, como uma real possibilidade para novos tempos; e outra a dos céticos, que não acreditam na funcionalidade total do sistema em ambientes não controlados e mesmo em regiões onde a qualidade da banda larga ainda não atingiu a excelência, tornando o ato de jogar um problema de lentidão de respostas.

Existe muitas questões de como o serviço se manteria financeiramente, ou seja, qual o custo final para o usuário, qual o suporte tecnógico local necessário, qual sua funcionalidade em redes menos favorecidas, qual capacidade dos servidores em atender individualmente seus usários na qualidade desejada etc. Parece que temos mais dúvidas do que certezas, no entanto, não podemos fechar os olhos para o serviço, que promete atuação já em 2009. Em um futuro próximo, seria este um começo real do cinema interativo? Ou do avanço dos jogos eletrônicos para o patamar de grande mídia?

Leia mais: Onlive: lendo as letras miúdas

Entrevista coletiva com Raphael de Almeida Müeller: chiptunes (parte 2/2)

2009-03-23T00:20:00.007-03:00

Leia a primeira parte da entrevista.

Semana passada publicamos a primeira parte da entrevista com Raphael de Almeida Müller, que trabalha com a produção de música para jogos eletrônicos e que participou, naquela data, de uma matéria sobre chiptunes, na MTV. Ele e todos os entrevistadores são integrantes de bastidores (alguns são colunistas aqui no blog) do grupo Benzaiten e hoje publicamos a parte final de nossa coletiva.

Alderico Leão – Suas composições são influenciadas por ritmos e sons nacionais? Se sim, isso é intencional?

Raphael de Almeida Müller – Concordo com o pensamento geral de que quanto mais estilos e ritmos um músico aprender, mais completo e interessante ele fica. Como o Brasil tem inúmeros ritmos interessantes e únicos, é ótimo estudá-los e integrá-los ao seu som. Eu fiz isso no jogo Animal Rescue (título de trabalho) da Caipirinha Games, que em boa parte acontece em florestas brasileiras. O tema do menu do game, por exemplo, é uma mistura de xaxado com batucada e alguns sons mais eletrônicos, e no fim entra até um berimbau. Vocês podem ouvir um exemplo do tema no meu www.myspace.com/raphaelmuller.

Alderico – Tem alguma trilha sonora de jogo que você carrega no seu MP3 player? Qual?

Raphael – No meu MP3 player tem Everyone Loves Katamari, Final Fantasy XII, Neverwinter Nights, Oblivion, Okami, além de algumas faixas de Tomb Raider: Legend, o tema principal de Metal Gear Solid 3, um tema não lançado do meu colega Adam Gubman para o jogo Twin Skies e algumas músicas minhas também.

André Luis Oliveira – Como tem sido a interação com outros compositores nacionais e internacionais? Há diálogo entre os músicos da indústria de games?

Raphael – O ofício de “videogame composer” ainda não é muito popular no Brasil. Existem pouquíssimos compositores para jogos dentro do país e em geral conhecemos uns aos outros.
Nos Estados Unidos é outra história: o número de compositores para jogos é bastante grande, mas mesmo assim é uma comunidade unida e amistosa. Existe, inclusive, a guilda dos “VG composers”, a Gang (Game Audio Network Guild). Lá não se encontram todos os nomes do ramo, principalmente não os bem grandes, como Jeremy Soule e Inon Zur, por exemplo, mas mesmo assim é um grupo amplo e disposto a compartilhar ideias e dicas. Conheci muitos colegas através da guilda, como Adam Gubman e Woody Bosco.
No Japão, pelo que sei, é ainda outro quadro: lá os compositores, como acontece com toda indústria de jogos japonesa, não se conhecem muito e não sabem o que os outros andam fazendo.

André – Tomando como referência a queixa geral dos profissionais em música no Brasil acerca de diversos assuntos (equipamentos muito caros, falta de eficácia da OMB, preconceitos com relação à profissão, veículos de mídia que funcionam na base do "jabá" etc.), na condição de compositor de trilhas sonoras pra games, qual sua opinião sobre vantagens e desvantagens da área?

Raphael – Eu acho que os compositores de jogos no Brasil sofrem logo um preconceito duplo, não só aquele de “músico-vagabundo”, como também o de “o jogador-de-videogames-crianção”. Apesar disso, as condições vêm melhorando, como para toda a indústria de jogos nacional. Mesmo assim, geralmente ainda é difícil de se conseguir trabalho dentro do país, portanto precisamos sempre conseguir contatos e trabalhos de fora, como para mercados de fora também.
Quanto à questão dos preços dos equipamentos, não é muito diferente do que para um músico de outra área. Sofremos bastante com os valores astronômicos em cima de produtos às vezes já antiquíssimos. Eu ainda tenho sorte por ter meus pais na Alemanha e eles poderem me ajudar comprando equipamento por lá, mas quem não tem esse tipo de contato sofre muito, infelizmente.

Alexo Maravalhas – Explorando o tema músicas retrô – que é como eu chamo os remixes baseados em chiptunes† – você acha que essa característica moderna em reutilizar samplers de videogames da geração de 8 bits, ou mesmo compor totalmente a música nesse estilo, é apenas um modismo baseado em um sentimento nostálgico ou é possível um público distante do universo dos jogos apreciar essa especificidade? É possível o leigo (ou mesmo o músico) considerar o valor musical de uma composição com sons tirados do inconsciente “infantil” e “ruidoso”?

Raphael – Eu diria que a ideia de trabalhar com chiptunes hoje em dia é diretamente ligada ao sentimento da nostalgia. Mesmo assim, tenho certeza de que pessoas distantes do mundo dos jogos podem apreciar a sonoridade dos chips dos consoles de 8 bits, como as novas ondas de rock e pop deixam bem claro. Há um número crescente de bandas atuais que fazem uso dos chiptunes. Um exemplo seria o cantor britânico Damon Albarn, da banda Blur e do Gorillaz.

Osni "Juunin" Jr. – Você acha que a música em geral está sendo influenciada pelos chiptunes e que ainda poderemos ouvir sons gerados desse modo em músicas que não seja direcionada ao público gamer?

Raphael – Acredito que a maior influência da música dos videogames na música em geral seja principalmente através dos chiptunes. Os chiptunes têm timbres muito específicos que fizeram parte da infância de boa parte dos novos adultos de hoje. Então, por nostalgia e também por procurarem por sons diferentes, os músicos entre esses novos adultos têm começado a integrar o som dos chiptunes na música atual. Cada vez mais é possível escutar bandas com algum som de chiptunes acompanhando os instrumentos típicos, como guitarra e bateria.

Fernando Salvio – Guitar Hero e Rock Band estariam salvando a indústria fonográfica?

Raphael – Guitar Hero e Rock Band definitivamente estão ajudando bastante a indústria fonográfica, mesmo que a indústria de jogos sofra do mesmo mal que a de música, a pirataria. É um problema extremamente complicado e que ninguém tem como solucionar no momento. Afinal, qualquer “inocente” pessoa tem acesso a produtos custosos, sem pagar por isso, baixando pela Internet como se não fosse crime.

Fernando – A música como conhecemos está morrendo? As músicas nos videogames podem ser a salvação?

Raphael – Não acho que a música esteja morrendo. A indústria, como a conhecemos, talvez. O grande problema é que a pirataria aos poucos está tirando o dinheiro dos estúdios, que algum dia não terão mais como fazer as mega-produções que o público espera. E ninguém vai querer emprestar dinheiro, sabendo que não vai existir lucro. Eu bem que gostaria de ver a música de videogames sendo a salvação! Vamos ver no que vai dar.

Game Music Demo Reel: Game Over

2009-03-22T16:30:00.003-03:00

E na onda do chiptune, separei alguns temas de "game over" e montei este GMDR. Dei preferência para aqueles sons mais antigos, os que caracterizam melhor o chiptune. Separei em três grupos, começando com os sons mais sintéticos para os mais "modernos". Para registro objetivo, segue toda a lista abaixo, mas se quiser curtir mais o vídeo, assista direto.

(1) Astyanax, Athletic Land, Bouken Roman, Cabbage Patch Kids, Double Dragon, Dr. Mario, Dragon Slayer IV, Duck Hunt, Ducktales, Famicle Parodic, Final Fantasy, Ghost 'n Goblins, Guardic, Gulkave, Hinotori, King's Valley, Knightmare, Maze of Galious, Mega Man, Mega Man II, Mike Tyson's Punch-Out, Nemesis, Ninja Gaiden, Robocop, Rockman 9, Shadowgate, Shatterhand, Strider, Super Mario Bros., Time Lord, Uninvited, Vampire Killer, Wizards and Warriors 2, Zanac, Zelda; (2) Akumajo Dracula, Castlevania 2 Simon's Quest, Contra, Gradius, Parodius, Super C, Super Mario World, Teenage Mutant Ninja Turtle; (3) Aleste, Aleste Gaiden, Arcus, Laydock 2, Rolling Thunder 2.

Veja outros Game Music Demo Reel

File Rio 2009

2009-03-17T23:15:00.000-03:00

Atrasado, mas ainda dá tempo. Quem tiver acesso presencial à cidade carioca, a sugestão é uma visita ao File, que neste ano fica no Centro Cultural Oi Futuro, no Rio de Janeiro. File é Festival Internacional de Linguagem Eletrônica e trata de apresentar obras artísticas, instalações interativas, web, software experimental e várias expressões relativas à cultura digital de alguma forma. O File 2009 vai até 19 de março.

File Rio 2009 – até 19 de março
Cultural Oi Futuro - Cultural Center
Rua Dois de Dezembro, 63 / Flamengo / Rio de Janeiro

Curtas OC Remix

2009-03-17T15:00:00.007-03:00

Como colecionador de trilha sonora, impossível não ser fã das antigas do Overclocked Remix. Tenho todo o acervo, baixando sistematicamente, de tempos em tempos, as novidades. O site, ao que pouco sei, dispõe de um método para aprovação das músicas que entram para o site, baseado em votação de um juri especializado. Este formato de publicação pressupõe (em teoria) uma média de qualidade, razoável aos padrões daquela comunidade.

Bom, essa é a parte burocrática. A parte divertida é que, como apreciadores, podemos ter nossas preferências pessoais, e que nem sempre têm relevância técnica. Então, eventualmente eu posso indicar algumas versões disponibilizadas lá que porventura eu goste particularmente, por algum motivo ou outro. Segue, então, sugestões de algumas delas (o autor do remix aparece nos parênteses).

Donkey Kong Country - Lost in Jungle (Johan Krafft): mistura um piano mais clássico com, depois, eletrônico, do "sempre excelente" tema aquático.
Final Fantasy 6 - Searching the Woods (Bradley Mellen): parece uma tentativa de se levar o remix para ter toques de erudito, pelo uso das cordas, mas também às vezes soa mexicano, por causa da guitarra e do acompanhamento marcado. Também tem alguns momentos estilo improviso jazzístico, então é uma mistura. De qualquer forma, gosto desses "ruídos" de instrumentos reais. Muito embora hoje em dia se possa simular muita coisa de "real", parecer real e convercer, é mais importante que ser real.
Final Fantasy 6 - Terra Haute (The One Ups): ultra jóia e orgânico de verdade, com aquelas improvisações da galera do One Up Studio. Ah, estão lançando seu CD volume dois.
Final Fantasy 6 - Time Shock (Heath Morris): uma curiosa versão contente-psicodélico-trance, mistureba mesmo. Vale curtir.
Ragnarok Online - Samurai Discotheque (Joshua Morse): agradável baladinha disco, com direito a bons solos improvisados, toques orientais e ótimo desenvolvimento, dinâmica, enfim, bem legal. Aliás, quatro releituras de Ragnarok no currículo do Joshua na OC.
Solar Jetman - Diamond Worlds (Jonas Loman): arranjo com super influência retrô de chiptune. Usa muitos samplers antigos (senão todos!). Ah, pudera, Impulse Tracker! Versão bem ritmada e viciante.
Star Tropics - Flow Tropiks (A. P. Matthews e Chris Roman): outra no estilo "mellow" (opa, mellow jazz, segundo Pretzel). Usando um pouco a imaginação, funciona até praqueles filmes eróticos, com cenários de velas e lentes estrelinha na câmera (risos).
Streets of Rage - Elevation (Groove Pump Mix) (Dragon Avenger e Alex Gventsadze): bate-estaca (SoR, óbvio), dançante, com uma vocalização que dá aquele tempero essencial.
Super Mario World - Turning Terrors (Sebastian Freij): pô, adoro essa música, digo, a original. Muitos remixes legais já foram feitos dela. Este é mais um deles, com toque ácido e instrumentos sintéticos muito bem marcados. Sempre curioso ver a "solução" musical que cada autor dá pra mesma composição.
Super Hang-On - Burn Baby Burn (Juan P. Medrano): bela guitarra! Um rock anos 80 que vale muito baixar.
Super Metroid - Samus Bubblebath (Samuel Ascher-Weiss): uma ótima versão, madura, quase minimal, com improvizações de jazz (ué, isso não é uma redundância?) e uma ótima ambientação ao estilo Metroid.
Banjo-Kazooie - Malevolent Mansion (Greg Michalec e Justin Jones): um misto de rock com eletrônicos, numa versão "malvada" mas que consegue manter toques de humor.
Super Dodge Ball - Rove You Rong Time (David Hsu): quase um ambient, com uma levada suave – claro – e oriental.
Street Fighter II - Sexxy Thai Guy (Mustin): espetáculo, principalmente a parte suave inicial está perfeita.
Chrono Trigger - To Lost Epochs (Ryan Humphrey): uma bela versão em piano solo com 6 minutos e meio. O autor precisou dar uma comprimida no bitrate, provavelmente pra caber nas normas técnicas da OC.
Street Fighter II - Clamato Fever (Alex Esquivel e Dan Orosz): fantástica versão que integra o álbum Super Street Fighter II - Turbo HD Remix - Official Soundtrack da OC.
Romancing Saga - Tant Mieux (Juan Medrano e Dustin Lagaly): Tant Mieux tem um início que logo evolui ao que poderia ser um eletrônico dançante. E sim, mesmo a música toda mantendo elementos sintéticos, a levada é de rock marcado por percussão e guitarras. Óimos solos, ótimo acabamento, ótima releitura.

Você tem outro remix, novo ou antigo, pra recomendar? Citei apenas os mais recentes, mas indicações são sempre muito bem-vindas.

Entrevista coletiva com Raphael de Almeida Müeller: chiptunes (parte 1/2)

2009-03-16T21:40:00.004-03:00

O Notícias MTV de 16 de março, apresentado por Cazé, mostrou matéria onde Lívia Cheibub entrevista Raphael de Almeida Müller (1983), nosso colega de grupo Benzaiten e que atua profissionalmente com música para videogames. O assunto foi sobre as músicas eletrônicas retrô, apelidadas no universo de jogos de chiptunes, músicas dos videogames dos anos 80. Para dar vazão a este e outros assuntos, aproveitamos aqui para fazer uma entrevista coletiva com o "prata da casa", articulada nos bastidores do grupo e publicado a seguir, em duas partes.

Alexo Maravalhas — Para começarmos a nossa coletiva – independentemente de sermos todos colegas de grupo Benzaiten – quero pedir que você apresente-se, conte-nos um pouco da sua biografia, experiências, enfim, o que achar mais relevante citar, seja para dar base às próximas perguntas, seja para que o leitor o conheça melhor.

Raphael de Almeida Müller — Meu nome completo é Raphael Johannes de Almeida Müller, sou teuto-brasileiro, tenho vinte e cinco anos e trabalho como compositor e sound designer para games há mais ou menos dois anos.
O motivo por eu me aventurar nessa área é fácil de se explicar: sempre amei música e sempre amei qualquer tipo de jogo também. A minha paixão pela música vem desde a minha família alemã, onde quase todos tocam algum instrumento e vários inclusive profissionalmente, como por exemplo meu tio-avô, Claus Bantzer, compositor para filmes e organista da sinfônica de Hamburgo. O meu desejo por ser compositor para jogos, no entanto, foi despertado justamente quando estava brincando com a minha segunda paixão, os jogos, para ser mais específico, quando eu estava criando aventuras para o jogo Neverwinter Nights. Pensei para mim mesmo que eu poderia não só criar os eventos com as ferramentas do jogo, mas também minha própria trilha!
Desde aí, fiz a trilha para uma modificação de Rome: Total War, o Lord of The Rings: Total War, fui autor de uma coluna mensal sobre videogame music no site www.gamecultura.com.br e fui sócio do estúdio Kaiman Studios, em que fiz as trilhas e sound design para um jogo de PC e para dois jogos de Nintendo DS, todos produzidos pela empresa alemã Caipirinha Games e desenvolvidos no Brasil.
Para quem quiser conhecer minhas músicas, é só acessar o www.myspace.com/raphaelmuller. Meu site www.raphaelmuller.com está sendo reformulado, no momento.

Fernando Salvio — Quais suas músicas, jogos e compositores preferidos? Por quê?

Raphael — Minhas trilhas preferidas são as de The Shadow of The Colossus, The Elder Scrolls IV - Oblivion, Okami, Diablo e Diablo II, Final Fantasy XII, Neverwinter Nights e We Love Katamari.
A primeira é uma obra prima, muito emocionante, muito bem escrita e às vezes tão tocante que o ouvinte tem vontade de chorar, numa mistura de tristeza e felicidade. A trilha de Oblivion casa perfeitamente com os amplos espaços que se encontra no jogo, tem um clima pensativo muito envolvente. Okami tem uma trilha épica de cinco discos, com um estilo bem próprio, que também é muito envolvente. As músicas finais da trilha são muito emocionantes em especial, ainda mais para quem chegou a jogar o fim do jogo.
Diablo e Diablo II devem ter as trilhas sonoras mais inovadoras e criativas de toda a história dos games. Quem esperaria sintetizadores distorcidos, um violão de doze cordas e guitarras criando uma trilha de fantasia genial ao invés de estragar o jogo? A trilha de Final Fantasy XII é outro épico, composto com perfeição por um músico que nunca estudou composição! Atenção especial para a faixa três do primeiro CD: algumas passagens são dignas de John Williams.
Eu adoro a trilha de Neverwinter Nights, talvez também pelo valor que ela tem para mim. Eu sei que muitos não gostaram dela, por ter poucos motivos, poucos temas que grudam na mente, mas eu gostei muito do estilo. E finalmente a trilha do segundo Katamari, um som tão divertido e louco quanto o próprio jogo, com um trabalho de sintetizadores e efeitos muito bom.
Quanto aos jogos que mais gosto, são tantos que fica difícil de dizer, mas neles tão incluídos os jogos mencionados acima, além de Fatal Frame II, Silent Hill II e III e muitos outros.
Os compositores que mais gosto são os das trilhas mencionadas, ou seja, Jeremy Soule (Neverwinter Nights e Oblivion), Hitoshi Sakimoto (Final Fantasy XIII), Kow Otani, (Shadow of The Colossus) e Matt Uelmen (Diablo). Quanto aos compositores de Okami e We Love Katamari, não sei dizer, porque são vários e não sei o que mais produziram além das trilhas desses títulos. Gosto bastante também de Jesper Kyd, da série Hitman, e claro, de Koji Kondo, o guru, criador das trilhas de Super Mario e Zelda.

Alderico Leão — Como é o processo de composição de música para videogames? Você trabalha sobre um roteiro ou sobre a parte visual já concebida?

Raphael — Diferentemente da música para filmes – que é feita sobre um produto pronto e não-interativo – a música dos jogos é produzida durante a criação dos próprios games.
Quando participei de jogos da Caipirinha Games, além de fazer as trilhas e SFX (sonoplastia), também fiz as traduções do alemão/inglês pro português dos roteiros dos jogos. Essa tarefa sempre me deu logo uma boa noção a respeito do que os produtos tratavam e de como seria o estilo. Além disso, também baixo constantemente os milestones (parciais do projeto) da desenvolvedora, o que me dá uma idéia do visual e do andamento do jogo.
Para me organizar, sempre criei as chamadas asset lists, ou seja, listas de todos os efeitos sonoros, músicas e sound symbols† presentes em cada jogo, com seus respectivos códigos, durações e pequenas descrições a respeito, além de marcar “N” em vermelho ou “Y” em verde nas listas para não me esquecer de quais faixas já estavam prontas e quais eu ainda precisava fazer.
Quanto à programação de áudio, não sei dizer muito a respeito porque ainda não trabalhei com isso. Até agora foi sempre feita pelos próprios programadores das desenvolvedoras.

Leia a segunda parte da entrevista.

Novo projeto da OC Remix: Summoning of Spirits

2009-03-09T23:35:00.008-03:00

Novo projeto da Overclocked Remix, ou apenas OC Remix, saindo do forno: Summoning of Spirits - An Arrangement of Music from Tales of Phantasia and Tales of Symphonia. Este é o décimo terceiro (já!) álbum da mais atuante comunidade on-line de apreciadores e artistas do cenário da música para videogames.

E mais uma vez a apresentação é pomposa. Olha a equipe arregaçando a manga: o projeto é um álbum quádruplo (quíntuplo, na verdade, contendo bônus) composto por 51 faixas reinterpretadas por 41 artistas. Para baixar: arquivos individuais de áudio, um pacotão de 280 MB com todo o projeto em zip, a opção de baixar via rede de Bit Torrent e, para os puristas, uma versão Flac com 1,5 GB. Nos adicionais: imagens para o encarte (CD ou DVD) e para as mídias, papel de parede, 193 avatares e ainda links para letras e tablaturas. Uau! E o kit todo embalado em um sucinto mas bem acabado website, aliás, como sempre. Melhor que isso e ainda de graça? Não é todo dia.

Bom, estamos falando apenas das apresentações aqui. Vou lá agendar meu download, mas quem já ouviu, pode nos deixar suas impressões. Seja como for, parabéns à equipe OC Remix por mais essa bela iniciativa.

O site do projeto: tales.ocremix.org

1000 Game Heroes: humor

2009-02-21T15:12:00.034-03:00

Postagem anterior: 1000 Game Heroes: heróis de luta

Na sequência de resenhas do livro 1000 Game Heroes, temos no capítulo três "Funny heroes", as figurinhas que personificam os "comediantes" dos jogos eletrônicos.

A introdução do capítulo é feita por Jason Rubin (1970) – que também atua na área das HQs† – e basicamente conta a trajetória da desenvolvedora de jogos Naughty Dog acerca da peculiaridade de seus produtos: o humor. Citando os títulos Ski Crazed, Keef the Thief, Way of the Warrior, Crash Bandicoot e Jak and Daxter, Jason, em seu texto, parece transparecer a história da equipe em buscar o "tom certo" de humor para seus produtos. Tom esse econtrado em Crash Bandicoot. O acerto repetiu-se em Jak and Daxter, produto que venceu o prêmio "Novo personagem do ano", em 2001, pela Developers Choice Awards.

Veja esboço em relativizar tanto mercadologicamente quanto aos valores do desejo do público sobre os jogos eletrônicos, comparativamente a outras mídias tradicionais:

"À medida que a tecnologia oferece aos criadores a capacidade para ir mais além e competir de igual para igual com outros meios de entretenimento, os jogadores tornam-se mais exigentes e os riscos tornam-se cada vez maiores. Se queremos competir contra filme, televisão e música então teremos que proporcionar o mesmo entretenimento que estes proporcionam quando obtém sucesso e sofrer as mesmas consequências quando enfrentamos falhanços".

É interessante ressaltar que o humor está muito presente na história dos videogames. O que torna essa constante, é a inteligência da própria linguagem do humor. É possível, mesmo em um jogo com temática sóbria por fundamento, dar pitadas de humor em momentos bem pontuais. Em Duke Nuken (1996, 3D Realms), o humor é sarcástico, ácido e malicioso. Trata-se de um jogo de ação, aventura e ficção científica com um herói meio bad boy. Já Indiana Jones and the Fate of Atlantis (1992, Lucas Arts) é mais pastelão e ingênuo, como também cinematográfico, por conta dos diálogos entre o par romântico Indiana e Sophia. É um jogo de aventura animado e quebra-cabeças, mas o humor é constante, assim como nos filmes.

Metal Slug X para Neo Geo, por exemplo, é um game explicitamente caricato e algumas vezes non-sense, mas basicamente um jogo de tiro de plataforma. O mesmo acontece em Parodius (1988, Konami), onde o gênero é o shoot 'em up † de nave, mas o humor está em tudo: ele próprio apropria-se do formato da série Gradius, mas põe no caldeirão de piadas vários outros jogos da Konami. Nem os grandes compositores da história da música erudita foram poupados: suas obras foram recriadas em versões cômicas e viraram trilha sonora nos Parodius. Enfim, daria um livro à parte citar sistematicamente todos os títulos, personagens e situações de humor presente no universo dos videogames.

O capítulo "Funny heroes" apresenta iconografia visual dos seguintes jogos: Banjo-Tooie, Crazy Taxi, Fur Fighters, Herdy Gerdy, Jak & Daxter, Kirby, Klonoa, Luigi's Mansion, Oddworld: Munch's Oddysee, Parappa, Samba de Amigo, Space Channel 5, Spyro, Super Monkey Ball, Twinsen e Worms.

Segue depoimento pessoal do colega de grupo Benzaiten, Fernando Salvio, que cita algumas passagens de humor.

__________

"Street Fighters e suas histórias. Blanka, tem coisa mais tosca que ele? Um monstro perdido no meio da amazônia, procurando sua mamãe, entra num torneio de luta com esse objetivo. Dhalsim, um yogin praticante de ahimsa (não violência) que torra seus inimigos com labaredas de fogo. E. Honda, o gordão que quer provar que o sumô é a melhor arte marcial do mundo.
Outras: Yo! Noid!, um entregador de pizza vestido com orelhas de coelho. Michael Jackson: nem preciso falar muito; seu gritinho antes de cada tela já era hilário.
Metal Gear tem muitas, muitas situações cômicas. No MG4 por exemplo, chega um momento onde seu personagem visita uma fase do Metal Gear Solid e, em determinado momento, era necessário trocar o disco na versao do Playstation 1. Então, no mesmo momento é requisitado a trocar o disco, mas então o Otacon explica e faz um pouco de propaganda da mídia Blu Ray, que cabe muita coisa e que não precisaria mais trocar discos ou coisas do gênero.
I-Ninja (Game Cube, Xbox e Playstation 2) é muito engraçado: quando aciona o poder berserk, o ninja fala 'need kill stuff'! As conversas com o mestre dele também são hilárias e quando você avança rapidamente o texto, o personagem manda o mestre calar a boca ('shhhh').
Jak 3 tem vários momentos impagáveis. No início do jogo um cara passa um sermão na dupla e uma hora diz 'isso ai não é um jogo' e os dois olham pra câmera, é um sarro.
Mario & Luigi Superstar Saga. Tem uma cafeteria no jogo chamada Star Beans Café. Durante o jogo você vai recolhendo feijões (?) e levando para montarem novas receitas. Num determinado momento, o cara afirma que, na verdade só quer as receitas pra poder patentear e ganhar milhões. Brincando com a Starbucks."
— Fernando Rodrigues Salvio

Capas retro

2009-01-28T16:35:00.022-02:00

Temos visto ultimamente uma série de releituras na área de jogos eletrônicos. As criações antigas e originais parecem ter sempre muita inspiração e acabam compondo remakes em artes visuais, trilhas sonoras e até jogos totalmente refeitos com linguagem propositadamente antiquada.

Separei abaixo 16 artes visuais de capas de álbuns de trilhas sonoras que utilizam a linguagem retro, mais especificamente o pixel art, que enfatiza os pixels† como elemento de composição. Elas usam o pixel em maior ou menor ampliação e, quanto maior, mais enfático, contrastante e até abstrato o desenho.

Alguns dos álbuns eu já conhecia, outros tinha lido sobre. Enfim, de forma alguma é uma seleção definitiva, pois a produção musical na área de jogos é muito extensa – como podemos ver, por exemplo, no banco de dados do Chudah's Corner – de forma que não pesquisei além do material que dispunha ou lembrava. Querendo sugerir mais capas "pixeladas", registre nos comentários.

Atualização: incluí as capas sugeridas pelo Alexei.

8 Bit Jesus

8 Bit Jesus (prévia)

Beat the 8 Super Robots with 8 Bit Instrumental

Cinema 80's - Volume One

Click Bleep Click

Gradius – House Remix

Knight Arms - Remastered Soundtracks

Loser – A Sega Genesis Tribute Album

Makeup and Vanity Set

Mario & Zelda Big Band Live CD

Message

Mother 3+

Mother 3i

Rockman 9 – Original Soundtrack

The 8 Bit of Christmas

The Gameboy Singles 2002

The Music of Kraftwerk

Video Games Live - Volume One

Welcome to World 2

What's Pink and Sucks

Yuusha no Kuse ni Namaikida 1 & 2 Giant Recital

A arte de Mirror's Edge

2009-01-18T00:54:00.005-02:00

Quero recomendar "O jogo do ano", belo texto de Andre Carita, do Pensar Videojogos, que trata de aprofundar alguns dos aspectos artísticos de Mirror's Edge (EA Digital Illusions), como por exemplo, a curiosa mas pertinente associação do conceito visual usado no panorama do jogo – mais especificamente notado pelo uso monocromático/dessaturado com "marcações" pontuais em cores primárias – com o estilo de Mondrian. Vale a leitura.

Reactable

2009-01-15T23:02:00.009-02:00

Você já deve conhecer a Microsoft Surface, não? É aquela mesma que fez uma ponte no filme O Dia em que a Terra Parou (a refilmagem de 2008, claro). Se não conhece, dê uma olhadinha na postagem "Superfície interativa", onde, nos comentários, dá pra ver que ficamos interessados no assunto específico de hoje.

Então, hoje eu apenas queria registrar, em forma de postagem, uma das sugestões feitas pelo Lucas Haeser nos comentários do texto "Transliteração visual-sonora": a Reactable, uma aplicação sonora, que usa manipulação de superfície e interatividade baseada em informação visual. O vídeo subentitula "instrumento musical eletro-acústico multiusuário", ou seja, multimídia efetivamente.

O vídeo é autodescritivo, mas basicamente você vai notar que dispositivos geométricos são colocados sobre a mesa, que tem a capacidade de "ler" as diferentes figuras. Cada figura atua de uma determinada forma: alguns objetos são geradores de som, outros modificadores. E tem ainda os objetos "samplers" (sons digitalizados); neles são salvos arquivos de sons, que são lidos pelos recursos de rede sem-fio do dispositivo.

Com as diversas "inteligências" da mesa – software aliado a recursos de hardware – como conexão wireless, sensibilidade multitoque e multimovimento e reconhecimento da forma dos objetos em tempo real, as possibilidades são inúmeras.

Os ajustes são feitos de diversas formas: algumas, a partir da distância dos objetos entre si; outras são feitas girando os objetos no seu eixo; a forma como os objetos estão dispostos ou como sobrepõem as informações na mesa/tela, tudo interfere. O vídeo também mostra a digitalização de som em tempo real, através de microfone.

Como o mouse veio a integrar o sistema de computadores e não substituiu o teclado, eu vejo que os sistemas de tela de toque modernos podem, da mesma forma, ser aliados orgânicos do conjunto digital do sistema. Há questões de ergonomia ainda não resolvidas (seja na mesa disposta na horizontal, quanto na vertical), mas se você tivesse uma minimesa ao lado do teclado para usos específicos, não seria um ótimo começo?

Lucas, tá registrado. Muito boa sugestão!

Arranjos de Natal em chiptune

2009-01-08T19:45:00.011-02:00

Alguém aqui se lembra do Doctor Octoroc? Eu falei sobre as belas obras feitas com contas há algum tempo.

Pois é! Agora ele volta com toda a força trazendo um grande presente de natal! Eu sei que já passou, mas nunca é tarde pra curtir arranjos de músicas clássicas da era 8 bits mescladas com temas natalinos, tudo isso num álbum feito somente com chiptunes!

8-Bit Jesus causou algum alvoroço na Internet há alguns meses com um álbum de nove faixas, mas acontece que esse era apenas um preview: o álbum completo, com nova capa, saiu no dia 20 de dezembro! Bem a tempo!

A história é interessante... O colega Doctor Octoroc liberou a prévia do disco a fim de arrecadar dinheiro para a cirurgia do cãozinho Ein (homenagem ao "datadog" de Cowboy Bebop, mascote do autor). Felizmente ele conseguiu dinheiro suficiente para o procedimento e tudo acabou bem!

O novo álbum pode ser baixado diretamente do site dele ou clicando diretamente aqui.